Entretien avec Nicolas Van Parys

printemps 2026 — ENTRETIEN AVEC NICOLAS VAN PARYS

Hilde Van Canneyt (HVC) : Nicolas, merci de me recevoir ici dans ton atelier. Je vois surtout beaucoup de peintures et de documentation accrochées aux murs. Il y a aussi beaucoup de lumière ici — bref, tu as un bel atelier, solide. Est-ce un endroit où tu aimes passer du temps ?

Nicolas Van Parys (NVP) : Sans aucun doute.

HVC : Tu as longtemps eu aussi un atelier partagé chez Nucleo – le désormais fameux Vloer 0 – mais c'était plutôt pour ton travail de collage. Vois-tu cela comme deux pratiques différentes, ou est-ce une seule et même pratique ?

NVP : Je considère toujours mes collages comme une étude préparatoire. Techniquement, je savais tout faire en peinture ; j'ai simplement commencé les collages comme source d'inspiration. J'ai vu un jour une exposition d'Adrian Ghenie, qui part toujours de collages — d'où l'approche. Il y a environ douze ans, j'ai décidé de partir de là moi aussi, parce que cela donne un point d'appui pour créer mon image, générer de nouvelles images et développer davantage celles qui existent, et faire ainsi entrer une touche de surréalisme dans mon travail. Je les ai déjà montrés par le passé, mais jamais à côté de mes peintures. Pour moi, ce sont deux matériaux différents. Je dis toujours : « Je m'amuse deux fois : une fois en fabriquant le collage, puis en le traduisant en peinture. » Ces dernières années, je m'en écarte davantage. Je pars encore de l'image de mon collage, mais je vais plus loin, si bien qu'à un certain moment elle n'est plus reconnaissable. Enfin, parfois si. Mais je me permets de continuer à travailler la peinture, pour créer une dynamique ou une cohérence qu'on ne ressent pas toujours autrement.

HVC : Commences-tu généralement un collage de façon spontanée, sans plan ?

NVP : Oui. C'est peut-être l'une des raisons pour lesquelles j'y ressens une spontanéité qui me manque parfois en peignant — ou qui me manquerait si je peignais directement. Là, je laisse place à cette spontanéité. Cela me facilite ensuite le pas supplémentaire en peinture, car le seuil devient plus bas.

HVC : Petit « rewind » : le dessin et la peinture ont-ils toujours été en toi ? Comment es-tu finalement devenu « artiste » ? Comment te présenterais-tu brièvement dans un café ?

NVP : C'est l'histoire typique : je dessinais depuis tout petit. C'était une autre époque, et la chose la plus importante que j'avais toujours sur moi, c'était un carnet de croquis et des crayons. Partout où j'allais, je dessinais, et je copiais beaucoup aussi. Je crois que je regardais beaucoup autour de moi ce qui vivait, ce qui m'intéressait et ce que je trouvais bon. Je me suis beaucoup formé moi-même.

HVC : L'as-tu fait aussi par l'éducation ?

NVP : J'ai suivi une orientation graphique à la Kunsthumaniora Sint-Lucas de Gand. Je n'ai pas eu l'occasion de faire des études supérieures, mais la motivation est toujours restée. J'ai suivi six ans de dessin de modèle vivant et quelques années de sculpture en cours du soir, parce que l'envie était toujours là. J'ai commencé à m'entourer de gens que j'admirais, surtout à Gand, qui sont devenus des amis entre-temps. Et j'ai aussi appris – je viens en fait du monde de l'entreprise – à persévérer dans ce qu'on fait. C'est d'ailleurs un monde totalement différent. Le pas le plus important, comme tout le monde le dit, c'est de continuer à travailler et à chercher. À un moment donné, des directions se présentent sur ton chemin.

Ces cinq dernières années, j'ai eu le sentiment que tout s'est rassemblé. Les collages et les peintures étaient autrefois deux choses séparées, mais elles ont progressivement commencé à fusionner. J'ai le sentiment d'être arrivé quelque part et d'avoir développé une sorte de signature dans mon travail. Bien que je travaille avec des images très différentes, j'ai trouvé une manière de créer de la reconnaissance.

HVC : Une reconnaissance des autres ET de toi-même.

NVP : Je pense que nous y aspirons tous un peu : laisser une sorte de signature. La manière dont quelqu'un travaille, peint, etc. Je pense qu'on n'y arrive qu'en travaillant beaucoup. Par le passé, je faisais techniquement de tout en peinture, mais je ne savais pas quelle direction je voulais prendre.

HVC : Nous voici dans ton atelier qui sent bon la peinture à l'huile et la térébenthine. C'est tout de même, si je puis dire, le vieux métier qui a résisté à tous les courants et médias artistiques. Tu aurais tout aussi bien pu continuer dans le graphisme, par exemple. Mais ce sont la peinture et le pinceau qui ont « gagné ».

NVP : Oui, il y a encore tant à faire avec la peinture. Je pense que chaque peintre se pose aujourd'hui la question : « À quoi sommes-nous encore occupés ? Est-ce encore pertinent ? » Mais si la peinture continue d'exister, c'est déjà important en soi. L'envie de peindre demeure, surtout en grand format. Même si j'ai maintenant aussi réalisé une série de petites œuvres, ce qui était tout aussi intense. Je trouve la combinaison entre grand et petit intéressante. Les grandes œuvres permettent presque de se tenir à l'intérieur de l'œuvre elle-même, ce qui est passionnant à explorer. Surtout quand on part de collages très petits : la traduction vers un grand format donne une expérience totalement différente.

Ce que j'ai fait par le passé lors d'expositions, c'est aussi travailler l'environnement de la peinture avec des aplats de couleur ou des éléments au sol, de sorte qu'on puisse pour ainsi dire entrer dans l'œuvre et faire partie de cet environnement.

HVC : Trouves-tu important que le spectateur puisse pour ainsi dire entrer dans ton œuvre ? Ces collages sont-ils aussi construits intuitivement ? Je vois ici par exemple des magazines que tu déchires. Est-ce aussi une manière d'attirer la société dans ton travail ?

NVP : Je pense qu'il y a certainement une forme de nostalgie dans mon travail, parce que je puise souvent dans des catalogues et des magazines des années 60 à 90. Ils ont un certain coloris. L'attention portée à la photographie avait alors une autre signification qu'aujourd'hui. Aujourd'hui, l'image est devenue très fugace. Le fait que les gens devaient autrefois attendre des jours ou des semaines pour photographier un animal parle à l'imagination. J'ai aussi travaillé avec des images d'intérieurs des années 70, qui jouent un rôle dans mon travail tant par la couleur que par l'architecture.

HVC : Tu composes un collage, tu achèves ta peinture et ensuite tu lui donnes un titre. Est-il lié au collage, ou plutôt au résultat peint ?

NVP : Neuf fois sur dix, le titre vient après. Je travaillais autrefois aussi avec des cartes postales, qui m'inspiraient surtout par la communication entre deux personnes. Il s'agissait souvent, par exemple, du voyage — une phrase m'inspirait en combinaison avec l'image. Après mon propre voyage en Inde, j'ai noté beaucoup de choses : des images et des fragments qui jouent un rôle dans mes peintures. Quand une série est terminée, j'y reviens et je cherche : d'où cela vient-il ? Cela m'aide par exemple à trouver un titre. Mais partir d'un titre ? Non, ça ne marche pas comme ça.

HVC : Ton atelier se trouve au-dessus de la partie habitation. Une fois que tu peins – car une œuvre de cette taille demande du temps – comment dois-je me représenter cela concrètement ? Tu entres ici, tu enfiles ta blouse de peintre et tu plonges ? Ou dois-tu d'abord entrer dans une certaine zone, avec un café – ou quelque chose de plus fort (clin d'œil) – en feuilletant un livre d'art ou avec de la musique, par exemple ? Cela demande-t-il de l'énergie pour commencer, ou en as-tu déjà envie dès la table du petit-déjeuner ?

NVP : Je pense qu'il est important de pouvoir travailler par blocs et de prévoir au moins une journée entière pour plonger dans une grande peinture. C'est l'avantage des petites œuvres : je peux en mener plusieurs de front, construire des couches et laisser sécher.

HVC : Le point de départ devrait être l'envie. T'obliges-tu à venir ici chaque jour ouvrable ? Car je vois qu'il y a aussi un ordinateur, ce qui est dangereux dans un atelier. T'imposes-tu une sorte de pression ? Tu travailles bien sûr beaucoup en vue d'expositions, mais y a-t-il un « inconfort » dans ton corps ou ton esprit quand tu montes l'escalier ? Car le monde extérieur est ici à distance, mais d'un autre côté tu brûles évidemment de tout lui montrer. C'est comme quelqu'un qui fait de la musique : il gratte aussi sa guitare à la maison pour finalement se produire. Mais est-ce quelque chose que tu gères facilement en peignant dans ton atelier ? Ce n'est pas seulement : que pensé-je du résultat final, mais aussi : que pense l'autre ? Et comment me positionner dans le champ ? Suis-je un artiste « contemporain » ou non ?

NVP : Je comprends pourquoi tu poses cette question, parce que c'est probablement quelque chose qui revient régulièrement chez les artistes : trouver justement l'équilibre, la discipline ou les habitudes. Je suppose que nous y aspirons tous. Certains y arrivent mieux que d'autres. Je remarque aussi que je ferme très consciemment l'ordinateur ou que je le laisse en bas ; ce qui fonctionne de toute façon mieux. La combinaison ordinateur-peinture n'est généralement pas une bonne idée, la délimitation est importante. Et l'envie est toujours là. Je viens de peindre six semaines d'affilée dans mon atelier, mais j'ai nettoyé mes pinceaux parce que je sens aussi que je dois prendre un peu de distance pour ensuite reposer des couches et pouvoir regarder mon travail d'un œil neuf.

HVC : Je pense que c'est ce qui définit un bon peintre : un artiste qui doute. Quand ça va trop facilement… C'est ce qui est étrange dans l'art : on sent/voit alors – en petite connaisseuse (clin d'œil) – trop facilement le « truc ». Cette résistance, cette friction est importante dans le processus, qu'il s'agisse d'une petite peinture ou d'une grande de trois mètres sur deux. Ce qui me fait penser – mais je peux me tromper – que si quelque chose atterrit trop facilement sur la toile, le résultat est peut-être aussi trop « facile » pour le spectateur. C'est ce qui fait pour moi la différence entre un bon et un « moins bon » artiste, pour le dire ainsi.

NVP : Ce vécu, je le ressens beaucoup plus ces dernières années. Ce que je faisais avant, c'était traduire le collage. J'en reprenais certaines parties de manière plus picturale. Si je regarde cinq ans en arrière, je me serais contenté d'une sorte de traduction de ce collage. Mais maintenant je vais plus loin. Au moment où je pensais autrefois : « Ma peinture est terminée », je continue. Je prends plus de risques, je dépasse cette étape, si bien que ce n'est plus une « jolie image », mais une peinture plus vécue. C'est beaucoup plus intéressant pour moi. Comment le monde extérieur regarde ça, je ne sais pas.

HVC : Quels retours reçois-tu généralement ? As-tu le sentiment qu'une explication supplémentaire de ta part est nécessaire, éventuellement par écrit ? (Bien sûr que c'est nécessaire ! (clin d'œil)) Ou constates-tu que, quand tu laisses les gens déambuler dans ton expo, ils comprennent relativement vite de quoi il s'agit ?

NVP : Je pense qu'il est en effet important de savoir comment le spectateur regarde mon travail. J'ai tendance à donner des explications très techniques, mais ce n'est pas toujours nécessaire. C'est peut-être aussi la raison pour laquelle j'aime montrer des peintures en grand format. À Blanco, l'espace d'exposition de Nucleo à Gand, j'ai eu une expo sous le titre Chimaera, où j'avais fait une sélection des cinq années précédentes. Chimaera est une figure de la mythologie grecque : une créature à plusieurs têtes. Pour moi, c'est aussi une sorte de collage de quelque chose d'animal. La nature a toujours joué un grand rôle dans mon travail, tout comme l'animalité. J'ose aussi vraiment utiliser la couleur. C'est aussi la raison pour laquelle je suis récemment parti en Inde : là-bas, on ne peut pas passer à côté. On y est submergé par la couleur et les odeurs.

HVC : Ton résultat final est esthétique. Je regarde autour de moi dans ton atelier et je remarque que c'est sans aucun doute un facteur important. On peut parler d'un collage entre abstrait et figuratif, mais c'est un peu court. Je suppose que la force de ton travail est que les gens doivent un peu chercher, ce qui les fascine. Je pense aussi que tu as un style de peinture qui parle aux gens qui aiment la peinture : parfois construit d'un coup de pinceau plus brut, différents types de touches, avec beaucoup ou peu de térébenthine, ou parfois des touches de peinture presque grasses sur ton pinceau. On ne peut vraiment pas qualifier ton travail d'ennuyeux. Mais est-ce aussi un point dangereux pour toi, quand tout va bien, d'aller « trop loin » ? Il doit toujours y avoir un moment où tu t'ordonnes : maintenant ça suffit ! Ou tu sens/éprouves que ton histoire est racontée. Et vois-tu tes peintures comme une histoire, un message, ou purement comme une image pour l'image ? Il faut finalement être très sûr de soi pour envoyer une œuvre d'art dans le monde : « Tenez, spectateurs, débrouillez-vous avec ça ! » Ma question vient peut-être aussi de mon propre parcours… J'aimais dessiner et peindre, j'ai suivi des formations, mais j'ai peut-être arrêté parce que c'était trop de lutte. (Quoique, créer des lettres l'est aussi. (clin d'œil))

NVP : C'est exact. Je suppose qu'il est bon que du temps passe. Au moment où je pense que quelque chose est terminé, je le laisse encore au moins quelques mois dans mon environnement avant de le montrer. Ce n'est pas parce qu'on est dans un flow – et cela peut même varier en une journée – que c'est vraiment fini. Le soir, tu peux penser : « Oui, ça y est. » Mais le lendemain matin, tu regardes et tu penses : « Aïe, je vais quand même devoir intervenir encore, car ce n'est pas ce que je veux. »

HVC : Parfois c'est aussi l'ivresse, ou le rêve, comme quelqu'un qui travaille le soir avec une bouteille de vin et dessoûle le lendemain matin.

NVP : Oui. Mais récemment, je disais encore à quelqu'un : « Je veux en fait trouver le calme pendant que je peins. » Tout le monde a une image romantique de la peinture tranquille, mais ce n'est pas ça. C'est une sorte de pression, mais elle peut être une pression (plus) saine…

HVC : … et espérons que ce soit parfois vraiment difficile.

NVP : Oui, car si tu ne te heurtes à rien ou ne prends pas de risques et peins sagement selon ton plan – ce que je faisais davantage avant, tu trouves peut-être plus de sérénité. Mais ce n'est pas la tension ni le calme que je recherche.

HVC : Je trouve que tu as évolué ces dernières années, précisément parce que tu créais autrefois de manière plus mathématique et travailles maintenant de façon moins calculée. De nos jours, tu pourrais même faire des collages à l'ordinateur, mais c'est justement cette étape physique intermédiaire – couper, déchirer – qui crée la stratification, avec pour résultat que cela devient intéressant sur la toile. C'est précisément dans ces couches intermédiaires, dans l'énergie, le physique, presque la sueur, qu'une œuvre puise sa force. J'y crois fermement. Il faut aussi un certain ego pour être artiste. Comment te sens-tu quand tu montres ton travail ? Plutôt « petit » ? Ou penses-tu : « Me voici, regardez ce que je sais faire ! » ?

NVP : Je suis devenu beaucoup plus sûr de moi ces cinq dernières années. Je sens et j'éprouve que je tiens ma place et que je peux me distinguer dans le monde de l'art. Mais nous sommes nombreux. C'est pourquoi je me propose de continuer à travailler et à repousser mes limites, et de lâcher l'angle commercial, ce qui n'est pas évident quand on veut vivre des « arts ».

HVC : Tu te vois donc grandir comme artiste. Tu expérimentes même la sculpture ces temps-ci.

NVP : Je veux surtout m'amuser. Le projet en Inde est maintenant un volet à part. En vue de ma prochaine expo, j'ai choisi d'explorer aussi la sculpture. Les peintures auront toujours la priorité, mais je suis ouvert à d'autres matériaux. Je vois aussi mon expo idéale de façon spatiale, presque architecturale. Comme je le disais tout à l'heure : j'aime qu'on puisse se tenir dans mon œuvre. Pour l'instant, c'est parfois encore une étape intermédiaire : un aplat de couleur, quelque chose au sol, pour qu'on puisse presque y entrer. Mais mon scénario idéal est un environnement complet, où la couleur et la thématique rejoignent l'œuvre. L'artiste Nicolas Party fait cela de façon fantastique : peindre entièrement des espaces de galerie et n'y montrer qu'une seule œuvre. C'est un scénario magnifique.

HVC : En fait, tu rêves que ton travail se retrouve dans différents décors, que l'espace lui-même devienne presque une œuvre d'art. Tu évolues du 2D vers le 3D, peut-être même vers le film.

NVP : C'est ce que je cherche. Cela ressemble à une étape intermédiaire : qu'est-ce qui peut presque prendre vie ? Qu'est-ce qui peut être exploré sculpturalement à partir de mes peintures ? La relation entre ces différentes formes me semble très intéressante.

après une pause café-gâteau bien méritée

HVC : Ton atelier a pris la poussière un moment, car tu es parti en résidence en Inde, dans une résidence nommée Kriti Gallery.

NVP : L'Inde est quelque chose de nostalgique pour moi. J'y étais il y a plus de vingt ans. Il y avait un endroit spécifique où j'ai pensé, au sentiment : « Un jour je reviendrai ici et je voudrai y passer plus de temps. » C'est Varanasi, dans le nord de l'Inde, traversée par le fleuve sacré, le Gange. Quand on en voit quelque chose dans nos médias, c'est généralement l'un ou l'autre rituel qu'on y accomplit. Il y a des crémations 24 heures sur 24 ; la vie et la mort y sont très proches. Quand je parle de cet endroit avec des gens qui sont aussi allés en Inde, tous confirment qu'il y flotte quelque chose d'indescriptible, d'incomparable. Ici, nous avons encore tendance à cacher la mort, à mettre le corps dans un cercueil, etc. Pourquoi ce thème ? Il y avait des gens autour de moi qui, par certaines circonstances, ne sont plus là… Et il y a la prise de conscience : qui sommes-nous et pourquoi sommes-nous ici sur terre ? Mon travail d'artiste y joue naturellement un rôle très important.

L'idée est née pendant que je peignais : quel pas est-ce que je veux franchir ? Idéalement, on fait une résidence tout court, mais elle devait aussi repousser des limites et peut-être toucher quelque chose de moins connu dans la culture occidentale. J'ai googlé : « résidence Inde » et c'est ainsi que je suis arrivé à cet endroit précis, à un quart d'heure du Gange. C'est à un couple : une Allemande et un Indien, qui y ont construit un petit pavillon pour environ cinq artistes. C'est une oasis entre l'agitation et le smog. Pour ma santé, ce n'était pas idéal, mais ce fut un voyage fantastique !

HVC : La plupart des artistes emportent en résidence du matériel de base et voient sur place ce qui s'y trouve. Comment t'y es-tu pris ? « Je suis ici en Inde, j'ouvre les yeux et les oreilles, je commence à esquisser et à peindre selon le feeling d'ici et je laisse venir les impressions » ?

NVP : Cela dans le premier cas. Mais je suis quelqu'un qui aime avoir un point d'appui, alors je me mets à réfléchir : « Que puis-je y faire concrètement ? » J'ai ainsi défini quelques lignes directrices. D'une part, j'ai pris contact avec la Banaras Hindu University et je leur ai demandé si nous pouvions collaborer. Car dans le prolongement de ma peinture, je veux créer du travail spatial. J'ai proposé de donner un workshop avec des matériaux de là-bas, avec Sofie Bos, ma partenaire qui m'a épaulé pendant deux semaines. Concrètement : descendre dans la rue, collecter des matériaux et créer avec les étudiants des sculptures à taille humaine, pour finalement élaborer une performance — quelque chose qui se situe en fait complètement hors de ma zone de confort.

HVC : Au fond, l'objectif de base était « l'expérimentation ».

NVP : Une partie était écrite. C'était une première direction : travailler avec ces étudiants, avec l'idée que ces sculptures existeraient dans l'espace et que je les ramènerais peut-être en Belgique. Finalement, j'ai ramené un seul masque, mais c'est surtout la recherche qui fut très intéressante pour moi. J'ai beaucoup de matériel visuel, aussi de la performance. C'est une image en mouvement, indépendante de mes peintures. J'ai en outre des images statiques de ces œuvres, avec lesquelles je monte entre-temps aussi des collages. Cette partie était fixée assez concrètement.

HVC : N'est-ce pas la direction inverse de ta façon habituelle de travailler ?

NVP : C'était en effet une direction. Et évidemment, l'interaction et la perception de ce qui vit à l'université sont une expérience en soi. Avec ma compagne Sofie, nous avons aussi préparé quelque chose. Depuis notre culture occidentale, et parce que je travaille de façon assez surréaliste, nous avons juxtaposé des surréalistes et des créateurs de mode comme Walter Van Beirendonck, parce qu'ils n'en ont en fait aucune notion. Nous en avons parlé quelques heures, et c'est ainsi qu'est née l'interaction avec les étudiants. Nous nous demandions où nous pouvions nous croiser. Au bout du compte, malgré leur bagage plutôt traditionnel, ils ont quand même commencé à créer des choses. C'était passionnant pour nous, parce qu'on a ce questionnement et qu'on en apprend plus sur les raisons de leurs choix. Ils ont eux-mêmes indiqué que c'était une plus-value pour eux : ils n'avaient jamais vu ni vécu un tel workshop. Ce fut très instructif, mais cela a aussi coûté beaucoup d'énergie. (rires)

HVC : Qu'as-tu concrètement ramené de ces workshops, de cette collaboration et de cette pollinisation croisée avec l'université vers ton atelier ?

NVP : J'ai laissé les vidéos de côté un moment. Je suis rentré depuis quelques mois, mais ce matériel visuel jouera sans aucun doute un rôle important dans l'expo.

HVC : Avant de partir pour l'Inde, tu savais déjà : « J'ai ensuite une expo chez DeNode à Gand et j'y montrerai ce que j'ai vu, entendu, senti et vécu. » C'était agréable pour toi de le savoir à l'avance, car cela permet de travailler en vue d'une exposition.

NVP : Ce que je préférais, c'était marcher sans boussole dans les rues, des heures durant, et regarder seulement ensuite où j'avais abouti.

HVC : Je fais toujours ça aussi, mais je me perds toujours. (rires)

NVP : Oui, mais se perdre donne tellement. Chaque rue, chaque coin est une scène en soi. C'est ça l'incroyable en Inde : il y flotte tant d'authenticité. C'est le chaos, mais les gens y trouvent le calme. Ça klaxonne et ça se bouscule dans le trafic, mais personne ne s'énerve. C'est un décor bien particulier. Bien que je sois assez sensible et que je portais parfois des bouchons d'oreilles ou un casque pour amortir un peu tout, j'y ai quand même trouvé le calme.

HVC : Pendant cette « Wanderung », pensais-tu déjà à la manière de traduire cela en images ?

NVP : Il y a plusieurs volets. Normalement, je traite du matériel visuel existant, mais là j'ai consciemment choisi de prendre beaucoup de photos avec mon téléphone, de les faire développer et de commencer à les découper sur place. J'avais aussi emporté de la peinture à l'huile, et ces photos ont formé une nouvelle base pour ma peinture. L'avantage des photos imprimées est qu'elles sont plus durables, mais je ne les montre pas facilement, car elles sont fragiles et sensibles aux UV. C'est pourquoi j'envisage une série de collages. J'en ai déjà quelques-uns accrochés, je les trouve très puissants et exotiques. Chaque image qu'on crée là-bas est photographiquement forte, et j'ai de toute façon un œil assez photographique. Je pourrais presque faire une exposition de photos.

HVC : Pourquoi pas ?

NVP : J'hésite. Les choses créées à l'université sont si fortes que je les lâche parfois aussi, et je montrerai peut-être effectivement cinq images de ce que nous y avons créé. Elles peuvent parfaitement coexister avec les collages, les peintures et l'image en mouvement.

Concrètement : la première approche était l'université. La deuxième est née dans le train de Delhi à Varanasi, où j'ai trouvé un journal du Indian Times. Il était rempli de photos de « missing people », avec la question de savoir si quelqu'un les reconnaissait. Ces photos sont des images en noir et blanc de personnes au moment de leur mort, ainsi que d'autres portées disparues. Cela a eu un impact énorme sur moi : des images de la fin de quelqu'un, en relation avec la vie et la mort, l'identité… Il y a tant de gens là-bas. Le fait que quelqu'un ne reçoive presque aucune identité et soit « appelé » par un journal, combiné à ces images bouleversantes, m'a inspiré à créer des portraits en couleur à partir de ces images en noir et blanc. Je n'avais plus réalisé de portraits ces dernières années, mais je m'y suis replongé.

HVC : Ce sont ces petites œuvres ici au sol, de presque cinq centimètres sur quatre. Tu redonnes une sorte d'identité à ces personnes sans identité. Était-ce ton intention ?

NVP : Oui, redonner de l'attention à cette personne, ce qu'elle ne reçoit plus. Je l'isole, ce qui la fait pour ainsi dire revenir et lui confère une sorte de dignité.

HVC : Tu veux donc créer une expo dans laquelle nous, spectateurs, éprouvons ce que tu as vécu en Inde, tant physiquement que mentalement ?

NVP : Oui. Je me permets de mener cette recherche. Et je pense que c'est aussi le propos de la Fondation DeNode : plus c'est fou, mieux c'est. Je montre cette recherche, ce qui me fait travailler sur plusieurs pistes. J'ai aussi emporté ces visages au bord du Gange. J'ai demandé à un Indien ce qu'il ressentait face à certaines personnes. Il a regardé ma traduction du journal vers la peinture, et j'ai filmé cela. Ainsi est née une connexion entre mon dessin et son ressenti ; ce qu'il voit et éprouve devant cette image. Avec la vidéo, cela forme une seule œuvre.

HVC : Je vois ici un grand quadriptyque. Est-il aussi inspiré par l'Inde ?

NVP : Oui. C'est une troisième approche : les collages que j'y ai faits et découpés. Je continue à créer des collages, mais ceux-ci et les petites peintures, je pouvais les produire là-bas, car j'étais limité en espace et en matériel. Maintenant, je traduis cela vers de plus grandes toiles et de plus grands panneaux. Par exemple, ces chiens que je peins aussi : il y en avait quatre à la résidence. Derrière cette œuvre, il y a aussi une référence aux chiens des rues. À la résidence, ils vivaient dans un environnement sûr, tandis que les chiens des rues doivent se frayer un chemin dans le trafic et le chaos. Ce contraste m'intéressait et me fait penser à notre culture occidentale de surprotection face à la culture de la rue.

HVC : Concrètement : que verrons-nous à l'exposition chez DeNode à Gand ?

NVP : Nous ne le savons pas encore complètement ; le montage doit encore se faire. Mais ici, dans l'atelier, tu vois que je travaille autour de ce que j'y ai vécu. J'essaie aussi de ramener les couleurs de là-bas et d'immerger le spectateur dans une atmosphère indienne.

HVC : Veux-tu aborder quelque chose d'éducatif ou de sociétal ? Tu y as sans doute vu beaucoup de pauvreté.

NVP : Il est naturellement vrai que la collaboration et les contrastes entre la manière scolaire de travailler et la façon dont les gens y vivent ressortent de toute façon. Quand je montre des images et des interviews, cela prend aussi un caractère un peu documentaire. Quand je vais à une expo, je veux être surpris, et je ne le suis plus facilement. J'essaie de me mettre au défi de créer quelque chose dans lequel — sans rien lire au préalable — on sent aussi de quoi il s'agit. Je trouve cela important.

HVC : Ton ambition est-elle que les visiteurs de ton expo Kashi Rupé – Unfolded à la Fondation DeNode soient un instant arrachés au monde ordinaire ?

NVP : Oui. Par une vidéo, mes peintures et l'interaction avec les gens. Je n'ai pas encore décidé sous quelle forme, mais je voudrais au moins traiter un espace qui laisse une trace indienne, pour que tout ne soit pas fait de petites salles blanches. L'image idéale serait que je crée presque une scène de rue, avec pour ainsi dire l'odeur et l'agitation en prime. Il y a tant de facettes qui jouent un rôle, presque comme un collage de l'Inde. Mais cela reste à discuter. (clin d'œil)

HVC : Sounds good ! Tu en apprendras sans doute toi-même tellement que cela transparaîtra dans ton travail futur.

NVP : Ce qui est chouette, c'est que je me permets de faire un maximum de recherche, même si je me sens toujours peintre. En tant qu'extérieur, on attend peut-être autre chose, mais pour moi c'est aussi un défi. Cela ne rend pas les choses plus faciles, mais je prends le temps de bien faire.

HVC : C'est important — comme l'art, naturellement !

HVC : hildevancanneyt.be · nicolasvanparys.com · denode.be