Entretien avec Ines Claus — DeNode Foundation

TRIPLE CINTRE – Ines Claus – Nodenaysteen Gent

Hilde Van Canneyt (HVC): – Chère Ines, il y a six ans, tu as obtenu ton diplôme à la KASK School of Arts à Gand. Le joug des enseignants t'a quitté, tu travailles désormais de manière autonome depuis cinq ans. Tu n'as pas eu à te battre pour cela chez toi, car tes parents ont également étudié la peinture.

Ines Claus – Ils ont étudié cela à l'Académie Royale des Beaux-Arts à Anvers. Pour ma sœur et moi, il a toujours été naturel de dessiner, de regarder des livres d'art, des musées, etc. À l'adolescence, cela était moins marqué, mais quand ma sœur a passé son examen d'entrée en Animation à la KASK, j'ai commencé à suivre ce site et j'ai vu que l'on pouvait y suivre des cours d'Art du Dessin autonome. Cela m'a attirée de partir purement du dessin.

HVC: En partant de la ligne, veux-tu dire? Ou étaient-ce plutôt les techniques de dessin avec crayon, charbon, craie et pastels sur papier qui t'attiraient?

Je ne sais pas si c'était déjà clair à l'époque, mais en effet, cette ‘simplicité’, cette immédiateté et cette honnêteté du crayon sur papier m'attiraient. Bien que ce ne soit pas une formation simple, j'aimais cette liberté. Le fait que le dessin autonome soit moins associé à l'histoire que, par exemple, la peinture ou la sculpture, crée une ouverture.

HVC: Comment ces cours étaient-ils abordés? Les premières années, je suppose qu'un certain cadre était donné pour la recherche de forme, de contenu et de matériaux?

En effet, il s'agissait surtout de la question : qu'est-ce que dessiner? Je me souviens du thème des déchets. Il fallait littéralement partir à leur recherche. En examinant tous ces matériaux qui passent, tu te frayes un chemin vers un langage visuel personnel. J'ai immédiatement aimé la directeté et la rapidité du dessin à l'aveugle. Ce dessin rapide permet d'abstraire et de rechercher une sorte d'essence.

Dans mon Master, je travaillais entre autres sur des objets et des installations. Je cherchais également plus de matériaux pour dessiner : des morceaux que je trouvais dans la rue, dont je trouvais par exemple la couleur intéressante. Ou j'ai découvert des serpillières avec lesquelles et sur lesquelles j'aimais travailler. Mais j'ai fini par trouver cela trop restrictif, donc je cherchais des matériaux qui avaient une infinité, comme l'encre et le graphite. Bien que je créais avec ces serpillières des livres que je plastifiais. Ou j'expérimentais volontiers avec des bombes de peinture et de l'acrylique, pour avoir une conversion du dessin ‘en couleur’, et là tu es rapidement à la limite de la peinture. Mais à ce moment-là, je trouvais parfois le papier trop restrictif en termes d'échelle, donc je commençais à être attirée par la toile. (rit)

HVC: Quelle était ta recherche de contenu? Y avait-il des ‘thèmes’ spécifiques que tu voulais explorer ou aborder?

Je cherchais de plus en plus des contrastes avec des thèmes comme l'artificiel, souvent traduit par le type de matériau que j'utilisais : plastique ou serpillières contre des matériaux plus artisanaux comme la laine ou ‘nature contre ville’. J'ai ainsi été attirée par la figure du palmier, qui allait se retrouver comme une sorte d'alter ego ludique dans différents contextes. Des artistes comme Yto Barrada m'ont interpellée, pense à ‘I’m not exotic I’m exhausted’. Comment le mondialisme a fait en sorte que le premier palmier est arrivé en Belgique au XVIe siècle, par exemple, je l'ai découvert par hasard dans une expo au KASK pendant mon année de diplôme. J'avais aussi le sentiment que le palmier était sous-exploité en tant qu'élément historique et une importante ‘non-arbre’. Le palmier est souvent associé au luxe ou aux vacances, mais cela dépend de ton point de vue. Parfois, je choisis aussi des matériaux comme la serpillière ou les sacs de shopping en papier pour leur statut sous-exploité : une serpillière est utilisée pour nettoyer le sol, un sac de shopping n'a qu'un certain statut ou est un accroche-regard pendant la demi-heure où tu flânes dans la rue avec, mais ensuite il est jeté.

C'est la liberté et le ‘faire ce que tu veux’ qui font que tu passes quelques jours par semaine dans ton atelier à créer, je suppose. Le plaisir de créer cet univers propre. Ensuite, il y a encore l'art de conquérir ta propre place dans le monde de l'art, pour voir et être vu.

Je pense que chacun fait cela à sa manière, ce n'est pas évident quand tu commences à comparer avec où d'autres artistes en sont déjà, mais je pense que l'essentiel est comment tu te sens par rapport à tes œuvres et comment tu progresses à chaque fois.

HVC: Trouvais-tu que montrer uniquement sur le mur était trop limité?

Peut-être. C'est surtout vouloir montrer ‘encore plus’. (rit) Mais en particulier pour moi, bien sûr. Quand tu en as fait une série, c'est agréable de les regrouper. Ou simplement de prendre un élément d'une série et de créer quelque chose à partir de ce focus. Parfois, c'est juste un exercice de pensée : de quoi parlait cette série d'œuvres déjà? Mais cela a d'abord commencé avec mon archive d'images que j'allais coller dans des livres cousus à la main à partir de serpillières.

Les séries naissent chez toi spontanément. Pense à tes nombreuses œuvres avec le logo Euromillions. Avant que tu ne t'en rendes compte, tu faisais des connexions comme ‘essuyer tes pieds’, et soudainement tu as toute une série, d'où émergent d'autres idées avec des fragments d'images de marques, de jambes, de costumes, de mode…

Ensuite, il y a eu d'autres séries avec des portes ornées.

HVC: Qu'est-ce qui t'intriguait là-dedans?

Je pense que c'est la combinaison des lignes nettes ou des contours du support de la porte, combinée avec les ornements enroulés. Souvent, tu vas construire ton plan de manière abstraite sur une grande toile et il est pratique de diviser ton plan. Ces ornements prennent souvent aussi inconsciemment d'autres formes, et tu vois soudainement quelque chose de figuratif, mais surtout parce qu'il est agréable de simplement faire confiance à tes yeux et de laisser ta main suivre. Je travaille souvent à partir de photos ou de croquis, ainsi qu'à partir de l'observation, mais il se crée également pendant le travail une interprétation inconsciente, une spontanéité qui te permet ou te contrôle. Ce qui se passe alors devant la porte ou ce qui est caché derrière est également intrigant et donne un mystère et une tension comme si tout semblait encore en ordre, mais qu'il pouvait également se passer quelque chose.

Ton travail de fin d'études portait sur les ‘Palmiers’. Je me souviens que j'ai vu cette expo dans l'espace d'exposition Blanco à Gand, j'en ai été ravie et je t'ai immédiatement invitée pour une exposition pour Kunst@poel17. Ainsi, la balle continue de rouler et tu sautes d'expo en expo, simplement parce que ton travail est apprécié par un spectateur.

C'était il y a environ cinq ans, cela semble long. (rit) J'ai eu la chance de suivre un beau parcours, mais il y a quand même une sorte de pression que tu devrais être dans une galerie autour de tes trente ans ou que tu ressens que tu n'es demandé que par l'intermédiaire de connaissances, en connaissant les bonnes personnes... Je trouve important de sortir de différentes manières avec mon travail, cela peut aussi passer par les livres que je fais. Ainsi, tu t'adresses à un public plus large et – je remarque – j'attire des personnes très diverses.

Ton jeune œuvre est un collage visuel d'éléments figuratifs et abstraits et se caractérise par de grosses lignes de contour noires en combinaison avec des couleurs pastel.

C'est une combinaison de choses. Mon palette de couleurs est de toute façon étendue, j'ose maintenant parfois utiliser des couleurs brunes et grises. Autrefois, je trouvais ces couleurs laides. (rit) Je trouve parfois étrange comment chez les gens, ce sont surtout les ‘couleurs pastel’ qui ressortent, alors que j'utilise justement beaucoup de couleurs contrastées. D'abord, je suis visuellement attirée par quelque chose, un objet, une couverture de livre ou un mot comme Deluxe Palux en tant que titre d'un livre par exemple. Ce que j'associerais au mot français Pas luxe par rapport à Deluxe, mais palux signifie apparemment poussière d'or. Ou des mots qui sont visuellement attrayants par la manière dont ils sont écrits, de ce qui est associé à la haute et à la basse culture, ou des titres de chansons comme Easy street de Julie London ou Isabelle Antena... J'associe automatiquement et je recherche ces contrastes. Et si une image est trop frivole, j'ose la faire basculer.

Atténuer le côté lollypop ! La chaussure comme ‘symbole’ revient souvent, ce n'est pas non plus un hasard. Tu aimes marcher. Visuellement, tu déstabilises le spectateur avec tous ces éléments disharmonieux et apparemment non cohérents ensemble. Tant visuellement que sur le plan du contenu, il y a à la fois de l'humour intrinsèque et explicite dans ton travail, je suppose.

Je pense que tu peux toujours trouver des liens si tu as un peu d'imagination, mais l'humour y joue un rôle. Ce sont souvent de petits détails qui permettent de lier un sentiment à une image ou de déclencher un certain regard qui fait réfléchir ou qui prend quelque chose moins au sérieux.

HVC: Une telle dessin peint ‘directement sur toile’ se crée-t-elle ou construis-tu une préparation solide dans tes carnets de croquis?

Auparavant, je faisais des esquisses préliminaires et je les réalisais en grand, mais ce n'étaient que des croquis rapides, jamais vraiment développés. Maintenant, j'ai moins d'idée de ce à quoi mon travail final ressemblera. Cela vient plus spontanément aujourd'hui, mais plus tu esquisses avant, mieux tu sais construire une sorte d'intensité dans ton atelier. Je regarde aussi des photos et j'essaie de combiner toutes ces scènes en même temps ; pense aux mondes du présent et du passé. La nostalgie est un mot double, mais je trouve intéressant de voir comment un certain design ou des vêtements ne sont plus en circulation. Mais si tu regardes par exemple en Italie, tu vois que certains décors persistent.

Tu vois ta pratique comme une manière de ‘fixer’ des choses. Tu découpes des détails de ton environnement, ce qui alimente en même temps ton archive d'images. Je ressens aussi cette influence de l'art du collage et de l'assemblage. Et tu expérimentes la superposition d'éléments que tu as travaillés, ce qui fait que tu discernes à la fois des formes figuratives et amorphes, ce qui donne de la profondeur aux éléments plastiques de ton travail.

C'est toujours une surprise pour moi. Tu ne sais jamais pourquoi tu sens que quelque chose doit être retravaillé. C'est une sorte d'image que tu as dans ta tête qui doit correspondre, tout comme la bonne tension. Parfois, cela devient trop et cela semble trop chargé ou chaotique et je vais repeindre des choses, mais pour un travail sur papier, tu ne peux presque pas faire cela : tu dois toujours trouver une solution plus rapidement et directement. Je trouve cela souvent intéressant, car tu es alors occupée avec le medium du dessin en soi, ou du moins tu es constamment rappelée à cela.

HVC: Quelles réactions reçois-tu généralement?

Elles sont très variées. Je pense qu'en tant qu'artiste, tu dois apprendre à vivre avec cela. Je ne peux pas m'attendre à ce que tout le monde me donne un bon retour approfondi.

HVC: Veux-tu secrètement que tout le monde fonde devant tes images colorées?

Tu espères bien sûr attirer des gens qui ‘voient’ vraiment l'image et comprennent mon esthétique. Ou qui tombent pour les mêmes références. Souvent, les gens ressentent la dynamique qui se trouve dans mon travail, ce qui les incite à faire quelque chose d'actif.

HVC: Veux-tu créer de bonnes vibrations?

Pas nécessairement. Pendant mes études, un professeur m'a demandé : ‘Ne te sens-tu jamais triste ou mal, car tu ne fais que des œuvres avec des couleurs vives.’ Mais peut-être que j'utilise ce langage visuel justement parce qu'il me tire vers le haut ! D'ailleurs, si je ne suis pas dans mon atelier pendant quelques jours, je ne me sens pas bien, donc finalement cela va de pair.

HVC: Quand une œuvre est-elle ‘finie’? La laisses-tu d'abord un peu ‘chambrer’ dans ton atelier ou?

Je ne les laisse pas longtemps sur mon mur. Je sens assez vite quand elles sont prêtes. Et je veux avoir de la place pour commencer avec du travail frais. (fait un clin d'œil)

HVC: Tout doit avancer pour toi. De plus, tu veux consciemment préserver la fraîcheur de ton langage visuel. Est-ce un aspect que tu apprécies également chez d'autres artistes?

Je n'aime pas les choses trop travaillées. Et j'apprécie aussi quand les artistes construisent des installations totales. J'ai vu il y a quelque temps la Carte Blanche de Camille Henrot au Palais de Tokyo, ses installations m'ont beaucoup marqué. J'ai également découvert Ana Jotta, une artiste portugaise, lors de deux expositions à Paris pendant ma résidence. C'est tellement frais la façon dont elle travaille avec une multitude d'images et passe d'un dessin mural à une installation avec des éléments domestiques. On voit aussi chez le designer italien Andrea Branzi dans son livre Animali Domestici cette dualité entre des matériaux qui semblent légers et qui sont en réalité une sorte de faux bambou en métal. Ou dans l'exposition autour de Josef Hoffmann, qui se déroule actuellement au Musée des Arts et de l'Histoire à Bruxelles, intitulée Sous le charme de la beauté, où ses objets de design sont placés dans une scénographie fraîche à côté de ses dessins et de ses perles architecturales.

Comment détermines-tu tes dimensions ? Est-ce selon l'humeur du jour ? Parce que je vois ici même des œuvres en XXXL.

Je travaille simultanément sur différents formats. Peut-être que c'est aussi pour me challenger, chaque format a une sensation différente. Tu places aussi tout différemment dans l'image. Et avec une grande dimension, je suis obligé de travailler différemment et de voir mon travail d'une autre manière. Cela te pousse à ne pas tomber dans ta zone de confort. Dans ma dernière série avec des cintres, je trouve que ces grandes œuvres s'y prêtent, comme si je pouvais y accrocher tout. Même dans le dessin, je trouve cela un bel élément. Je dessine moins de figures humaines, et peut-être qu'un cintre évoque pour moi les épaules, tu peux y accrocher littéralement et figurativement tout ce que tu veux. J'aime jouer avec ça.

HVC : Est-ce également ‘le cintre’ où tu vas accrocher ton expo Triple Cintre, maintenant en février 24, au Nodenaysteen à Gand ?

En partie oui. Dans mon invitation, je le décris entre autres comme ‘l'accrochage de pensées dessinées’. C'est devenu une série sur les manières d'accrocher, des méthodes pour montrer une accumulation d'associations et une sorte de réorganisation d'objets et de pensées après ma résidence à Paris. Cela se voit dans des œuvres avec des titres comme Garderobe Fridge ou Penderie de rue, où je montre une sorte de portant à vêtements sur lequel sont accrochés des panneaux d'affichage de rue (Emblèmes) et des bottes.

Une exposition est toujours un moment clé pour faire une pause sur ton travail. Il y a deux ans, tu as eu une solo à la Rufus Gallery de Gand sous le nom de Mode de vie, en référence au mode de vie et au langage esthétique des Parisiens. Tu as conçu le magazine Paris La Sape pour cela.

J'étais en résidence d'artiste à la Cité des Arts à Paris, d'où le titre. De toute façon, c'est toujours rafraîchissant de commencer à zéro dans un nouvel atelier, même si c'était beaucoup plus petit. Mais cela te permet d'aborder ta recherche d'une manière différente, cela a élargi mon langage visuel.

HVC : Paris ne laisse bien sûr personne indifférent ! Cette ville mondiale a lentement infiltré ton travail. Veux-tu, avec tes publications, amener les gens à regarder ton travail différemment ?

Je trouve que la combinaison d'œuvres accrochées au mur et de regarder en même temps dans ma publication est idéale. Je ne veux pas nécessairement qu'ils regardent mon travail différemment, mais cela donne souvent un aperçu supplémentaire des processus de pensée visuels. Le magazine te donne un aperçu de ce que j'ai rassemblé sur place. Il y a un alphabet, où toutes les lettres ne sont pas présentes. J'ai commencé à lier certains symboles à une lettre. Au début, tu vois une série de sacs, les abc portables, avec des références à ces gabarits ou éléments de mon travail qui jouent souvent avec des marques/logos ou deviennent une sorte de porteurs littéraux (carriers) de dessins. Ainsi, la Lauwerkrans (L) est associée à toutes les images autour de la nourriture et de la cuisine, avec par exemple le dessin Roman Garlic, inspiré de l'exposition Natures mortes du Louvre. Ou des photos de mon plan de travail avec une assiette joliment servie et une nappe vert clair sur laquelle du vin a été renversé. etc. Pour une Art Book Fair à Milan et la Antwerp Academy Art Book Fair, j'ai créé une édition de sacs avec des gabarits qui font référence à des symboles dans mon livre. Parfois, les gens connaissent ton travail sur les réseaux sociaux et ainsi tu as la chance de te rencontrer lors de foires internationales de livres d'art. C'est ainsi que j'ai rencontré à Milan l'éditeur et artiste Dario de Gaffa Worldwide (CH) et il va publier un livre avec une série de dessins en risoprint.

Le présent et le passé se reflètent l'un dans l'autre et se mêlent dans toutes ses couches à ton travail. Tu aimes jouer avec cette banalité des matériaux et des images, avec l'émerveillement pour un objet ordinaire, qui mène à une autre idée ou un autre objet.

Rien n'est plus agréable que lorsque tout coïncide. Et souvent, ce sont des coïncidences qui renforcent le concept.

Et vous, artistes, ne pouvez bien sûr pas échapper à cette touche Instagrammable de 2 sur 2 cm.

Un si petit format à l'écran donne une toute autre impression de ton travail. Cela semble beaucoup plus propre que dans la réalité. Tu ne vois pas ces imperfections plastiques. Tout comme dans mes dessins, je ne suis pas trop calculé dans mon utilisation des réseaux sociaux. Je poste spontanément ce sur quoi je travaille. Je trouve que c'est une belle plateforme visuelle, car cela crée un monde qui lui est propre. J'ai aussi un compte sous Claus Books, qui est plus anonyme, mais je trouve que cela a son charme.

HVC : Comment vois-tu l'évolution de ta pratique ?

En résidence, c'est surtout agréable de rencontrer d'autres artistes du monde entier – à Paris, il y en a environ trois cents. Cela m'a donné envie de collaborer avec d'autres artistes, alors qu'avant je voulais simplement faire ma propre chose. Je réalise que je veux aussi être très généreux dans ce que je montre. Ou peut-être chercher à travers des installations comment montrer mon travail ; pour montrer cette multitude à travers des collaborations avec d'autres artistes ou designers.

Tes thèmes sont légers, tout comme tu pars de la forme. Rien de mal à cela, au contraire, une œuvre peut apporter de la joie, être agréable à regarder. Je trouve que cette légèreté est justement attrayante. Le plaisir de s'exprimer, d'être dans son élément, transparaît. Tes œuvres se renforcent également mutuellement. Je pense que beaucoup de gens peuvent apprécier tes dessins.

Merci ! Mes histoires se construisent soit pendant le dessin, soit après, ce qui laisse beaucoup d'interprétations ouvertes possibles. Je ne pars pas vraiment d'une histoire ou d'un texte existant. Logique aussi – je pense – que je parte de quelque chose de visuel, car au final, tout tourne autour de l'image. Mais parfois, il arrive que tu tombes sur un morceau de texte au dos ou à la couverture d'un livre, où tu ressens ce même sentiment. J'essaie de le retranscrire comme un concept ou un sentiment sous-jacent. Comme dans ‘Mode De Vie’ : Mode vient du latin ‘modus’ (manière) et est apparu à la fin du Moyen Âge. Cela a dessiné les codes informels qui régissaient le comportement dans la société, plus spécifiquement les manières de s'habiller. C'est une sorte d'observation critique où tu sélectionnes des éléments de la société, mais pas de manière littérale. Est-ce pour cela que c'est léger ? On a l'impression qu'une image a alors moins de valeur... Cela me tient plus à cœur les nuances et les indices sur ce qui se passe, mais ceux-ci sont généralement si cachés que tout le monde ne les voit pas. Même les couleurs ou certaines combinaisons de couleurs peuvent être utilisées comme un clin d'œil politique.

Tu ne te facilites pas la tâche, il y a peu de contexte. Et tes publications ne sont pas non plus simples. Je trouve que ton travail est difficile à verbaliser, il n'y a pas de théories qui y sont liées.

Pourquoi peu de contexte ? J'ai l'impression que je donne peut-être trop. Pourtant, je veux justement créer cette ouverture. Je suppose aussi que mes publications ne sont pas si difficiles : ce sont justement des outils pour représenter ton travail d'une autre manière, et c'est super excitant de travailler là-dessus. Je ne pense jamais à l'avance : cela doit être le livre ou quelque chose comme ça. Je suppose que beaucoup d'artistes mettent trop de pression là-dessus. J'aimerais réfléchir à la meilleure manière de représenter le travail d'autres artistes, ou inversement : donner mon travail à quelqu'un et voir ce qui en ressort si quelqu'un conçoit et publie un livre pour moi. C'est justement amusant de jouer avec ça ; de sorte qu'un livre ne devienne pas une illustration de ce que tu montres, mais quelque chose en soi, comme un labyrinthe visuel d'où tu sors ce que tu veux et où aucune structure n'est imposée.

HVC : Te considères-tu comme un artiste intuitif ? Est-ce que ‘le jour’ a une influence sur ce que tu crées ?

Cela aura de toute façon un impact sur les choix que tu fais. Peut-être que lors d'une mauvaise journée, je suis moins prudent, j'ai plus ce sentiment de : ‘Fuck it, je vais y aller ! J'essaie justement d'utiliser cette force de création pour surmonter les choses, de plier cette énergie ; que tu la transformes en une autre vitalité, de sorte que tu ne restes pas coincé. Mais je trouve que l'étiquette est si unidimensionnelle, il n'y a jamais que de l'intuition, il y a toujours un certain cadre. Je n'attends jamais que quelque chose apparaisse simplement sur la feuille.

Je n'ai pas l'impression que faire de l'art soit un ‘labeur’. Parce que le temps passé en atelier prend du temps sur la vie à l'extérieur. Tu dois vraiment pouvoir te détacher du soi-disant vrai et pratique de la vie à l'extérieur.

C'est d'une part du ‘travail’ bien sûr, mais je peux vraiment travailler des heures et être détaché du temps, mais en plus, cela aide d'abord à libérer ton esprit en faisant par exemple un peu de ‘ménage’ et ensuite de partir frais vers l'atelier. Même quand tu donnes des cours, il faut un moment pour prendre du recul. Mais en ce moment, ce n'est que huit heures par semaine, ce qui est gérable.

HVC : Comment essaies-tu de faire la différence ?

HVC : Si tu regardes trop longtemps d'autres artistes, tu commences à comparer, ce n'est pas toujours motivant. (rit) J'ai toujours eu le sentiment que je – parce que je construis des œuvres assez personnelles – génère tout de même une différence. Je ne vois pas tant de dessins comme les miens. Ai-je l'air prétentieux ?

Non, pas du tout ! Tu es bien sûr aussi soutenu, cela donne aussi du courage. La musicienne Björk dit : ‘Tu ne peux faire quelque chose d'artistique que si le jugement des autres ne te touche pas.’ Une citation de l'artiste Wim Delvoye est : ‘L'art n'est pas utile, c'est du pur divertissement.’

Avec cette dernière expression, je ne suis pas d'accord, alors ton travail est seulement considéré comme quelque chose de décoratif.

Et ce n'est certainement pas le cas, Ines !

HVC : , janvier 24

Photos : STEVEN DECROOS

Nodenaysteen, Predikherenlei 4a, 9000 Gand

Jusqu'au 3 mars 2023, toujours le vendredi, samedi et dimanche de 13h à 18h ou sur rendez-vous.