Hilde Van Canneyt (HVC): Interview (Néerlandais) avec Lee Ranaldo (1956), New York, États-Unis, 18 juin Interview à l'occasion du magazine d'ACADEMIE 5 = La vision de Lee sur l'éducation artistique (pour promouvoir l'Enseignement Artistique à Temps Partiel - disponible dans toutes les académies des beaux-arts en Flandre)
HVC: Une brève introduction de l'artiste new-yorkais Lee Ranaldo : En tant qu'étudiant en art en 1976, il est devenu membre en 1981 du légendaire groupe no wave/noise Sonic Youth. Il jouait de la guitare. Avec Thurston Moore, Kim Gordon et Steve Shelley, il a voyagé pendant trente ans. Ils ont conquis le monde avec leurs concerts, sans compromis. Leur musique créative et provocante a inspiré toute une nouvelle génération de musiciens.
HILDE: Depuis le début, les ‘images’ ont toujours été très importantes pour ta musique (ou la musique de Sonic Youth) - prends par exemple les pochettes d'album. Si tu regardes de plus près les pochettes d'album du catalogue de Sonic Youth, tu trouves de nombreux artistes importants : Gerhard Richter (Daydream Nation), Raymond Pettibon (Goo), Richard Prince (Sonic Nurse), Jeff Wall (The destroyed Room) et Mike Kelley (Dirty). Quelle était la relation entre les images et la musique ?
LEE: Nous avons toujours voulu trouver une correspondance visuelle avec la musique. Nous ne voulions pas simplement mettre nos visages sur la couverture, comme c'est habituellement le cas. Nous pensions que l'espace – une image carrée de 12 pouces, à l'époque, qui était considérable – pouvait être utilisé de manière plus intéressante. Les pochettes d'album au fil des ans ont toujours essayé de chercher une relation avec la musique à l'intérieur. Étant donné que nos influences venaient souvent d'autres genres en dehors de la musique – surtout des beaux-arts – c'est là que nous cherchions l'inspiration.
HVC: Le puissant Sonic Youth s'est séparé, cela signifie-t-il que tu as plus de temps pour tes beaux-arts ? Parce que tu es aussi en tournée avec ton groupe Lee Ranaldo and the Dust. Et quel est le lien entre ta musique et les beaux-arts maintenant ?
Lee Ranaldo (LR): J'ai toujours entretenu une certaine activité visuelle, mais au cours de la dernière décennie, j'ai essayé d'y consacrer plus de temps. J'adore vraiment créer des images. Récemment, j'ai trouvé quelques sujets ��� des disques et des routes – qui m'ont suffisamment intrigué pour que je devienne un peu plus actif dans leur poursuite. Mon autre exutoire visuel est Instagram – c'est la seule forme de médias sociaux qui m'a vraiment captivé. Je suis souvent obsédé par de petits films de 60 secondes pour mon feed !
HVC: L'art, la musique et la littérature ont toujours été présents depuis que tu étais jeune. La culture en général était-elle une présence errante à la maison ? Tes parents étaient-ils d'une certaine manière créatifs ? Allais-tu avec tes parents dans des musées ?
LR: En dehors des disques de toutes sortes qui étaient à la maison – chansons italiennes, big band, plus tard pop et rock – il y avait très peu de culture dans mon éducation en ce qui concerne les beaux-arts ou la littérature. Ma mère jouait du piano classique, donc il y avait toujours un piano et quelqu'un qui faisait de la musique à la maison. Elle était aussi couturière, et il y a aussi un processus créatif évident là-dedans. J'ai appris à coudre dès mon jeune âge.
HVC: En Belgique, les enfants peuvent aller à 'l'école d'art à temps partiel' dès l'âge de 6 ans. Cela signifie : chaque mercredi après-midi et samedi, ils peuvent suivre des cours d'art. Presque chaque village offre un large éventail de possibilités éducatives en beaux-arts, musique, théâtre, ... Ce n'est pas une initiative privée, c'est financé par l'État. Les enfants aux États-Unis (ou à New York) ont-ils les mêmes possibilités ?
LR: Oui, nous avons aussi des cours d'art après l'école et des cours le week-end aux États-Unis ! J'ai bricolé avec ces cours, mais je n'ai vraiment pris le travail en beaux-arts au sérieux qu'en allant à l'université et en voyant d'autres étudiants y consacrer leur temps. En Belgique, un jeune de 16 ans peut aller à l'école d'art supérieure, ou il/elle peut choisir une formation de lycée ordinaire et opter pour des cours à temps partiel à l'école d'art du soir. (environ douze heures par semaine)
HVC: Est-ce comparable à New York ?
LR: Eh bien, par exemple, notre plus jeune fils, qui a 16 ans et est en première au lycée, va dans une école secondaire spécialisée en musique et arts à New York – autrefois connue sous le nom de l'école “Fame” (l'école sur laquelle le film est basé), c'est un endroit où les enfants reçoivent à la fois une éducation secondaire traditionnelle et étudient les beaux-arts, la musique, le drame, le théâtre, etc. Un environnement très spécial pour certains enfants ! La majorité ici choisit d'aller à l'Académie des Arts à 18 ans, où ils choisissent les ‘arts libéraux’. Ensuite, après quatre ans d'études, s'ils obtiennent leur diplôme. 70 % des étudiants choisissent une formation d'un an en 'éducation artistique'. C'est un programme assez exigeant.
HVC: En ce qui concerne les étudiants en art à New York ? Quelles sont leurs possibilités ? Sont-ils, comme le dit le cliché : la plupart deviennent serveurs ou serveuses ?
LR: Oui, haha, la plupart deviennent serveurs ou quelque chose de ce genre, pour gagner de l'argent tout en poursuivant leur métier. Cela s'applique à tous les futurs travailleurs culturels – je pense que tu peux te former pour enseigner l'art et ensuite enseigner directement après l'école, mais pour ceux qui VEULENT CRÉER – littérature, cinéma, quoi que ce soit – il est normal de faire un autre travail pour se soutenir. Mais de nos jours, les écoles d'art forment des artistes à un rythme phénoménal – des artistes “professionnellement formés” par milliers, qui essaient tous de trouver leur chemin dans le monde et de faire remarquer ce qu'ils créent.
HVC: Depuis tes vingt ans, tu as dessiné des paysages éphémères, sur le tableau de bord d'un ami. Cela est devenu plus tard ta célèbre série Lost Highway. As-tu un objectif principal, une raison (grande ou petite) pour dessiner ces paysages ? Veux-tu raconter une histoire ou transmettre un message ? Parce qu'ils restent une source d'inspiration inépuisable jusqu'à aujourd'hui.
LR: Je cherche quelques formes de base, inhérentes et je cherche aussi une raison de mettre des marques sur le papier. C'est aussi simple que cela. Pendant des années, j'ai tenu des journaux écrits en route, et certains de ces écrits ont été transformés en livres en cours de route. De nos jours, je tiens plus un journal visuel des nombreuses autoroutes sur lesquelles je me trouve. Il y a une qualité zen au travail – la route bouge, change – toujours différente mais toujours la même. J'espère que les formes que je vois dans le paysage peuvent être traduites en quelque chose de viscéral sur la page. Cela me garde engagé pendant les nombreux longs trajets qui font partie de la vie de chaque musicien. Et les images de la route – dans les histoires et les chansons – sont si pleines de métaphores.
HVC: Comment ta feuille blanche prend-elle vie ? Tu l'as comparée à un concert de musique gratuit, comme des créations purement improvisées. Je pense que c'est de la pure concentration...
LEE: Les dessins commencent généralement par quelques gestes rapides. Dans les meilleurs moments, je suis excité comme un athlète avant une course, concentré et capable de capturer en 10 ou 20 secondes la structure du paysage devant moi, avant qu'il ne se déplace. Donc les dessins commencent généralement par une explosion d'énergie et des marques rapides. Ensuite, c'est un processus de réaction et de raffinement de ce qui est sur la page, et de capturer de nouvelles informations du paysage alors que nous prenons le prochain virage et qu'il se déplace devant nous. Pendant un certain temps, j'ai essayé de rendre les dessins ‘plus précis’ et maintenant j'essaie de les rendre plus désordonnés, plus brouillons, pour voir ce qui peut se passer.
HVC: Personnellement, j'adore tes rouleaux en relief de vinyle gratté... et aussi tes dessins de constellations en relief que tu dois imprimer. Tu dois faire cela dans un atelier. C'est une affaire très différente – une autre sorte de concentration – que tes dessins en route...
LR: Travailler sur les impressions à pointe sèche – collectivement appelées Black Noise – a été pour moi un moyen de maintenir une pratique d'impression qui a commencé pendant mes années universitaires. J'adore tellement le processus de l'art d'impression. Pour faire ce travail, un accès à un atelier ou à un ‘lieu de travail’ avec les presses, bains d'acide, etc. est nécessaire. J'ai passé beaucoup de temps sans accès à de tels endroits, mais je les ai recherchés quand je le pouvais, et j'ai fait des résidences dans des imprimeries à Paris et Nice, France et Halifax, Nouvelle-Écosse. Récemment, j'ai trouvé une imprimerie à New York où je fais mes dernières impressions. Les marques sont nettes et stylisées, grattées dans de vieux disques vinyles de différentes tailles, créant ‘point sec’ – sans besoin d'acide ou de produits chimiques pour traiter ce qui est normalement une plaque métallique dans le processus d'Intaglio. Je fais de petites éditions de ces impressions, généralement pas plus de 10 dans une édition, et j'expérimente avec le processus d'encre.
HVC: vues musée 't schippershof , Menen + galerie Jan Dhaese, Gand De tranquillité d'un dessin au bruit et à l'agitation de la guitare et du rock ‘n’ roll, il semble y avoir un énorme fossé dynamique entre ces deux activités. De plus : la musique, en dehors de la composition, est une collaboration sociale. Que penses-tu de cette paradoxe ? Quelle est la grande différence (s'il y en a une pour toi) entre un crayon et une guitare ?
HVC: Le lien avec la musique/rock ‘n’ roll est palpable partout, est-ce une décision consciente ou ne peux-tu tout simplement pas cacher la véritable nature de l'artiste ?
LR: Que ce soit dans le domaine visuel, littéraire, cinématographique ou musical, l'idée est d'accéder à un domaine de créativité en soi et de le manifester. La sensibilité est la même – la mienne – que j'aie une guitare électrique et un amplificateur, ou un dessin devant moi, ou un nouvel ensemble musical jouant ma composition ou un court-métrage sur Instagram, la sensibilité qui est montrée est la mienne. Le processus de pensée – le processus créatif – est le mien.
HVC: Il y a eu deux expositions parallèles en Belgique l'hiver dernier, j'ai assisté aux deux. Tu as eu une grande rétrospective au musée de Menen, curatée par Jan van Woensel, l'autre exposition était à la galerie Jan Dhaese à Gand. Le son brut et le rock ‘n’ roll se reflètent dans ton travail... Comment était-ce de voir quarante ans de ta propre art visuel dans une seule exposition à Menen ? 40 ans de souvenirs... As-tu vu un fil rouge ? Un thème universel récurrent dans ton travail au fil des ans ? Et bien sûr, tout le monde pouvait voir que tu aimes la guitare. (clin d'œil)
LEE: C'était génial d'avoir les deux expositions presque simultanément. L'une montrait le travail que j'ai fait l'année dernière – à la galerie Jan Dhaese – avec les disques et les routes, et l'autre à Menen où j'ai pu voir pour la première fois des œuvres de nombreuses périodes différentes – remontant à 30 ans de mes débuts à New York. C'était très intéressant de voir toutes ces choses ensemble. J'ai consacré beaucoup plus de mon ��nergie à la musique qu'aux beaux-arts pendant cette période, mais j'ai quand même réussi à créer quelques choses que j'étais heureux de revoir, en exposition.
HVC: Pas de LEE-exposition sans textes écrits sur une fresque. Les vois-tu comme quelque chose de complémentaire aux œuvres d'art, se tenant seules ou comme un message supplémentaire ? (Social/politique par exemple)
LR: Les textes lient tout ensemble – ils alignent les beaux-arts avec des tendances littéraires et avec des paroles de chansons et donc l'activité musicale. J'aime faire interagir les mots, les images et les sons et s'informer mutuellement.
HVC: En plus des expositions, il y a eu un événement 'Lee Ranaldo noise' réussi. Avez-vous même organisé une 'procession musicale' ?
LR: La ‘procession’ était la recréation d'une œuvre de 2006 appelée Shibuya Displacement. Une ‘promenade sonore’ qui prenait l'environnement sonore d'un endroit – dans ce cas, les sons de plateforme de la gare de la préfecture de Shibuya à Tokyo, Japon, et les transportait vers un nouvel endroit. Nous avons marché à un moment donné dans les rues de Menen et à travers la frontière vers la France, remplaçant l'environnement sonore local par un nouveau, d'un autre endroit. Une sorte d'expérience de science-fiction ! Cela a également donné lieu à une belle parade l'après-midi avec un très bon groupe de personnes ! Pendant ce temps, nous avons vu dans la galerie des œuvres des mois précédents, avec le titre original (tousse) Nouvelles œuvres. Certaines n'étaient même pas encore sèches.
HVC: Était-ce un sentiment différent d'être entouré de nouvelles œuvres ? As-tu vu tes propres progrès au cours des dernières années ?
LEE: Les nouvelles œuvres dans l'exposition m'ont semblé d'une certaine manière assez transitoires. Les routes, les disques et les portraits de rock sont tous venus ensemble à peu près au même moment, et je pousse déjà plus loin avec tous ces sujets. Je pense que l'évolution au cours de l'année ou deux à venir sera très intéressante.
HVC: Ta femme, Leah Singer, est aussi une artiste visuelle, spécialisée dans les films. Vous vous stimulez mutuellement ? Est-elle ta critique la plus sévère ?
HVC: Suis-tu le sang artistique frais qui coule sans aucun doute à travers New York/États-Unis ?
LEE: New York est un endroit très créatif et inspirant à être. Il y a toujours une nouvelle stimulation. Oui, Leah voit souvent mon travail et offre son avis en premier, et bien sûr, nous continuons aussi à collaborer sur des performances.
HVC: Quels artistes américains devrions-nous découvrir ?
LR: Haha – tu devras les trouver toi-même !
HVC:
www.leeranaldo.be www.jandhaese.com