Hilde Van Canneyt (HVC): Interview (Nederlands) met Lee Ranaldo (1956), New York, VS, 18 juni Interview naar aanleiding van het tijdschrift d'ACADEMIE 5 = Lee's visie op kunsteducatie (ter bevordering van het Deeltijds Kunstonderwijs - verkrijgbaar in alle academies voor beeldende kunst in Vlaanderen)
HVC: Een korte introductie van de New Yorkse kunstenaar Lee Ranaldo: Als kunststudent in 1976 werd hij in 1981 lid van de legendarische no wave/noise band Sonic Youth. Hij speelde gitaar. Samen met Thurston Moore, Kim Gordon en Steve Shelley reisde hij dertig jaar rond. Ze veroverden de wereld met hun concerten, zonder compromissen. Hun creatieve en uitdagende muziek inspireerde een hele nieuwe generatie muzikanten.
HILDE: Sinds het begin zijn ‘beelden’ altijd erg belangrijk geweest voor jouw muziek (of de muziek van Sonic Youth) - neem bijvoorbeeld de albumhoezen. Als je dichter naar de albumhoezen van de Sonic Youth backcatalogus kijkt, vind je veel belangrijke kunstenaars: Gerhard Richter (Daydream Nation), Raymond Pettibon (Goo), Richard Prince (Sonic Nurse), Jeff Wall (The destroyed Room) en Mike Kelley (Dirty). Wat was de relatie tussen de beelden en de muziek?
LEE: We wilden altijd een visuele overeenkomst met de muziek vinden. We wilden niet simpelweg onze gezichten op de hoes zetten, zoals gebruikelijk is. We dachten dat ruimte – een 12” vierkante afbeelding, in die tijd, die aanzienlijk was – interessanter gebruikt kon worden. Albumhoezen door de jaren heen hebben altijd geprobeerd een relatie met de muziek binnenin te zoeken. Aangezien onze invloeden vaak uit andere genres buiten de muziek kwamen – vooral de beeldende kunst – daar keken we naar inspiratie.
HVC: De machtige Sonic Youth is uit elkaar gegaan, betekent dat dat je meer tijd hebt voor je beeldende kunst? Omdat je ook toert met je band Lee Ranaldo and the Dust. En wat is de link tussen je muziek en beeldende kunst nu?
Lee Ranaldo (LR): Ik heb altijd een beetje visuele activiteit onderhouden, maar in het afgelopen decennium heb ik geprobeerd er meer tijd aan te besteden. Ik hou echt van het maken van beelden. De laatste tijd heb ik een paar onderwerpen gevonden – platen en wegen – die me consistent genoeg hebben geïntrigeerd dat ik iets actiever ben geworden in het nastreven ervan. Mijn andere visuele uitlaatklep is Instagram – het is de enige sociale media vorm die me echt heeft gepakt. Ik ben vaak geobsedeerd door kleine 60-seconden films voor mijn feed!
HVC: Kunst, muziek en literatuur waren er al sinds je een jongen was. Was cultuur in het algemeen een zwervende geest in huis? Waren je ouders op de een of andere manier creatief? Ging je met je ouders naar musea?
LR: Afgezien van platen van allerlei soorten die in huis waren – Italiaanse liedjes, big band, later pop- en rockmuziek – was er heel weinig op het gebied van cultuur in mijn opvoeding met betrekking tot beeldende kunst of literatuur. Mijn moeder speelde klassieke piano, dus er was altijd een piano en iemand die muziek maakte in huis. Ze was ook naaister en daar is ook een duidelijk creatief proces. Ik leerde op jonge leeftijd naaien.
HVC: In België kunnen kinderen vanaf 6 jaar naar 'de deeltijdse kunstschool'. Dat betekent: elke woensdagmiddag en zaterdag kunnen ze kunstlessen volgen. Bijna elk dorp biedt een breed scala aan educatieve mogelijkheden in beeldende kunst, muziek, theater, ... Het is geen particulier initiatief, het wordt door de overheid gefinancierd. Hebben kinderen in de VS (of New York) dezelfde mogelijkheden?
LR: Ja, we hebben naschoolse kunstlessen en weekendlessen en dergelijke in de VS ook! Ik heb met die lessen geknutseld, maar ik werd pas echt serieus over het werken in beeldende kunst toen ik naar de universiteit ging en andere studenten zag die er hun tijd aan besteedden. In België kan een 16-jarige naar de ‘hogere kunstschool’ gaan, of hij/zij kan kiezen voor een reguliere middelbare schoolopleiding en kiezen voor deeltijdse lessen in de avondkunstschool. (ongeveer twaalf uur per week)
HVC: Is dat vergelijkbaar met New York?
LR: Nou, bijvoorbeeld, onze jongste zoon, die 16 is en een junior in de middelbare school, gaat naar een gespecialiseerde middelbare school voor muziek en kunst in New York City – ooit bekend als de “Fame” school (de school waarop de film is gebaseerd), het is een plek waar kinderen zowel een traditionele middelbare schoolopleiding krijgen als ook studeren in beeldende kunst, muziek, drama, theater, enz. Een zeer speciale omgeving voor sommige kinderen! De meerderheid hier kiest ervoor om naar de Kunstacademie te gaan als ze 18 zijn, waar ze de ‘vrije kunsten’ kiezen. Daarna, na vier jaar studie, als ze hun diploma hebben. 70% van de studenten kiest voor een eenjarige opleiding 'onderwijs in de kunsten'. Het is een behoorlijk zwaar programma.
HVC: Wat betreft kunststudenten in New York? Wat zijn hun mogelijkheden? Zijn ze, zoals het cliché zegt: de meesten worden ober of serveerster?
LR: Ja, haha, de meesten worden ober of iets dergelijks, om geld te verdienen terwijl ze hun ambacht nastreven. Dat geldt voor alle toekomstige culturele werkers – ik denk dat je kunt trainen om kunst te onderwijzen en dan direct na school lesgeven, maar voor degenen die WILEN MAKEN – literatuur, cinema, wat dan ook – is het normaal om ander werk te doen om zichzelf te ondersteunen. Maar tegenwoordig stromen kunstscholen kunstenaars in een fenomenaal tempo uit – “professioneel opgeleide” kunstenaars met duizenden, die allemaal proberen hun weg in de wereld te vinden en iemand te laten opmerken wat ze maken.
HVC: Sinds je twintigste maakte je tekeningen van de voorbijgaande landschappen, op het dashboard van de bus van een vriend. Dit werd later je bekende Lost Highway-serie. Heb je een hoofddoel, een reden (groot of klein) voor het tekenen van deze landschappen? Wil je een verhaal vertellen of een boodschap overbrengen? Omdat ze tot op de dag van vandaag een onuitputtelijke inspiratiebron blijven.
LR: Ik ben op zoek naar enkele basis, inherente vormen en ook op zoek naar een reden om markeringen op papier te zetten. Het is zo simpel als dat. Jarenlang hield ik geschreven dagboeken onderweg, en sommige van deze geschriften werden onderweg omgevormd tot boeken. Tegenwoordig houd ik meer een visueel dagboek bij van de vele snelwegen waarop ik me bevind. Er is een zen-kwaliteit aan het werk – de weg beweegt, verandert – altijd anders maar altijd hetzelfde. Ik hoop dat de vormen die ik in het landschap zie kunnen worden vertaald naar iets viscerals op de pagina. Het houdt me betrokken tijdens de vele lange ritten die deel uitmaken van het leven van elke muzikant. En de wegbeelden – in verhalen en liedjes – zijn zo vol van metaforen.
HVC: Hoe komt je witte blad tot leven? Je vergeleek het met een gratis muziekconcert, als pure improvisatorische creaties. Ik denk dat het pure concentratie is...
LEE: De tekeningen beginnen meestal met een paar snelle gebaren. In de beste momenten ben ik opgewonden als een atleet voor een race, gefocust en in staat om in 10 of 20 seconden de structuur van het landschap voor me vast te leggen, voordat het verschuift. Dus de tekeningen beginnen meestal met een uitbarsting van energie en snelle markeringen. Daarna is het een proces van reageren op en verfijnen van wat er op de pagina staat, en het vastleggen van nieuwe informatie uit het landschap terwijl we de volgende bocht nemen en het voor ons verschuift. Een tijdlang probeerde ik de tekeningen ‘nauwkeuriger’ te maken en nu probeer ik ze slordiger, rommeliger te maken, om te zien wat er kan gebeuren.
HVC: Persoonlijk vind ik je reliëfrollen van gekrast vinyl echt leuk... en ook je reliëfconstellatietekeningen die je moet afdrukken. Je moet die in een atelier doen. Dat is een heel andere zaak – een andere soort concentratie – dan je tekeningen onderweg...
LR: Werken aan de drogepuntafdrukken – gezamenlijk Black Noise genoemd – is een manier voor mij geweest om een drukpraktijk vol te houden die begon in mijn universiteitsdagen. Ik hou zo veel van het proces van drukkunst. Om dit werk te doen, is toegang tot een atelier of ‘werkplaats’ met de persen, zuurbaden, enz. vereist. Ik heb lange tijd zonder toegang tot zulke plaatsen doorgebracht, maar ik heb ze gezocht wanneer ik kon, en heb residenties gedaan in drukkerijen in Parijs en Nice, Frankrijk en Halifax, Nova Scotia. De laatste tijd heb ik een drukkerij in New York City gevonden waar ik mijn nieuwste afdrukken maak. De markeringen zijn scherp en gestileerd, gekrast in oude vinylplaten van verschillende formaten, waardoor ‘drogepunt’ – zonder behoefte aan zuur of chemicaliën om te verwerken wat normaal een metalen plaat is in het Intaglio-proces. Ik maak kleine edities van deze afdrukken, meestal niet meer dan 10 in een editie, en experimenteer met het inktproces.
HVC: views museum 't schippershof , Menen + galerie Jan Dhaese, Gent Van de rust van een tekening naar het lawaai en de onrust van de gitaar en rock ‘n’ roll, lijkt er een enorme dynamische kloof tussen die twee activiteiten te zijn. Ook: muziek, behalve componeren, is een sociale samenwerking. Hoe voel je je over deze paradox? Wat is het grote verschil (als dat er voor jou is) tussen een potlood en een gitaar?
HVC: De link met muziek/rock ‘n’ roll is overal voelbaar, is dat een bewuste beslissing of kun je de ware aard van de kunstenaar gewoon niet verbergen?
LR: Of het nu het visuele domein, literair, filmisch of muziek is, het idee is om toegang te krijgen tot een gebied van creativiteit in jezelf en het te manifesteren. De gevoeligheid is hetzelfde – die van mij – of ik nu een elektrische gitaar en een versterker heb, of een tekening voor me heb, of een nieuw muziekensemble dat mijn compositie speelt of een korte film op Instagram, de gevoeligheid die wordt getoond is die van mij. Het denkproces – het creatieve proces – is van mij.
HVC: Er waren afgelopen winter twee parallelle tentoonstellingen in België, ik ben naar beide geweest. Je had een grote retrospectieve in het museum van Menen, gecureerd door Jan van Woensel, de andere tentoonstelling was in de Jan Dhaese galerie in Gent. Het rauwe geluid en rock ‘n’ roll weerspiegelt zich in je werk ... Hoe was het om veertig jaar van je eigen beeldende kunst in één tentoonstelling in Menen te zien? 40 jaar aan herinneringen ... Zag je een rode draad? Een terugkerend universeel thema in je werk door die jaren heen? En natuurlijk, iedereen kon zien dat je van de gitaar houdt. (knipoog)
LEE: Het was geweldig om beide tentoonstellingen bijna gelijktijdig te hebben. De ene toonde het werk dat ik het afgelopen jaar heb gedaan – in Jan Dhaese Galerie – met de platen en de wegen, en de andere in Menen waar ik voor het eerst werken uit veel verschillende periodes kon zien – teruggaand 30 jaar naar mijn vroege dagen in New York City. Het was erg interessant om al deze dingen samen te zien. Ik heb in deze periode veel meer van mijn energie in muziek gestoken dan in beeldende kunst, maar ik slaagde er nog steeds in om enkele dingen te maken die ik blij was om weer te zien, op tentoonstelling.
HVC: Geen LEE-tentoonstelling zonder geschreven teksten op een muurschildering. Zie je ze als iets complementairs aan de kunstwerken, staan ze op zichzelf of als een extra boodschap? (Sociaal/politiek bijvoorbeeld)
LR: De teksten binden alles samen – ze brengen de beeldende kunst in lijn met literaire tendensen en met songteksten en daarom de muzikale activiteit. Ik vind het leuk om de woorden, beelden en geluiden allemaal met elkaar te laten interageren en elkaar te informeren.
HVC: Naast de tentoonstellingen was er een succesvol 'Lee Ranaldo noise event'. Hebben jullie zelfs een ‘muzikale processie’ georganiseerd?
LR: De ‘processie’ was de recreatie van een werk uit 2006 genaamd Shibuya Displacement. Een ‘geluidswandeling’ die de geluidsomgeving van één locatie – in dit geval de platformgeluiden van het Shibuya Prefectuur treinstation in Tokyo, Japan, nam en deze naar een nieuwe locatie vervoerde. We marcheerden op een gegeven moment door de straten van Menen en over de grens naar Frankrijk, waarbij we de lokale geluidsomgeving vervingen door een nieuwe, uit een andere locatie. Een soort sciencefictionexperiment! Het zorgde ook voor een leuke middagparade met een heel fijne groep mensen! Ondertussen zagen we in de galerie werk van de afgelopen maanden, met de oorspronkelijke titel (hoest) Nieuwe werken. Sommige waren zelfs nog niet droog.
HVC: Was het een ander gevoel om omringd te zijn door nieuw werk? Zag je je eigen vooruitgang van de afgelopen jaren?
LEE: De nieuwe werken in de tentoonstelling voelden voor mij op de een of andere manier behoorlijk overgangsachtig aan. De wegen, platen en rockportretten kwamen allemaal rond dezelfde tijd samen, en ik duw al verder vooruit met al deze onderwerpen. Ik denk dat de evolutie in het komende jaar of twee heel interessant zal zijn.
HVC: Je vrouw, Leah Singer, is ook een visueel kunstenaar, gespecialiseerd in films. Stimuleren jullie elkaar? Is zij je strengste criticus?
HVC: Volg je het frisse kunstbloed dat ongetwijfeld door New York/VS stroomt?
LEE: New York is een zeer creatieve en inspirerende plek om te zijn. Er is altijd wel een nieuwe prikkel. Ja, Leah ziet vaak mijn werk en biedt als eerste haar mening aan, en natuurlijk blijven we ook samenwerken aan performances.
HVC: Welke Amerikaanse kunstenaars moeten we ontdekken?
LR: Haha – je zult ze zelf moeten vinden!
HVC:
www.leeranaldo.be www.jandhaese.com