Interview met Lee Ranaldo

Interview met Lee Ranaldo (1956), maart 2014 'RAADPLEEG MIJN WEBSITE (www.leeranaldo.com) VOOR MEER INFORMATIE OVER EEN HOEVEELHEID ONDERWERPEN. KLIK OP 'KUNST' VOOR MEER KUNSTSPECIFIEKE INFORMATIE.'

Hilde Van Canneyt (HVC): Hallo Lee, op 18-jarige leeftijd ging je naar de kunstacademie en studeerde je schilderkunst. Waarom maakte je die keuze? Kom je uit een creatieve familie? Was je als kind en tiener al bezig met verf?

Lee Ranaldo (LR): Ik kwam inderdaad uit een creatieve familie, mijn moeder was pianiste en er was altijd muziek in huis, veel muzikanten in mijn familie. Ze was ook naaister en ik leerde als jongere naaien en maakte verschillende stoffen ‘speelgoedjes’ voor mezelf toen ik klein was—stoffen ‘superhelden’ poppen gevuld met oude nylonkousen die ik vervolgens versierde met verf en stift, om enorme gevechten na te spelen.

Ik deed ook veel visuele kunst en veel schrijven in mijn jeugd, maar ondanks dat ik met al deze activiteiten bezig was, kwam het me pas halverwege mijn studie te binnen dat je eigenlijk “kunstenaar” kon zijn – het leek gewoon geen optie voor een kind uit de arbeidersklasse zoals ik. Tegelijkertijd zie ik dat deze dingen—visuele kunst, muziek en taal—mijn volledige focus zijn geweest sinds heel vroeg.

HVC: Had je een bepaald beroep in gedachten toen je met de kunstacademie begon? Of wilde je gewoon ‘kunstenaar’ worden?

LR: Kunstenaar zijn was zeker het doel, zonder enige ‘carrièregerichte’ of professionele idee van hoe ik de economische eisen van het leven zou vervullen. Ik was gefocust op het leren van het ambacht, vooral het ambacht van visuele kunst, en diep ondergedompeld in het bijspijkeren van mijn kunstgeschiedenis. Muziek was zo aangeboren dat het al in mijn bloed en botten zat vanaf het moment dat ik een kind was. Ik zong en speelde piano en later gitaar vanaf een jonge leeftijd.

HVC: Maar het lot besloot anders: eerst speelde je met Glenn Branca en in 1981 werd de legendarische band Sonic Youth gevormd. Iedereen die de sfeer van je muziek wil ervaren, moet het album ‘Sonic Death’ beluisteren. (Ik zelf zag je voor het eerst in 1991, op Pukkelpop.) In het begin was je meer een experimenteel laboratorium. Ook Kim Gordon had de vreemdste ideeën.

LR: Nou, er waren genoeg ideeën die rondzweefden in de kunst- en cultuurwereld van NYC op het moment dat we ons vormden, en toen Kim Thurston en ik samen begonnen, hadden we allemaal hoofden vol ambitie en ideeën die we filterden en verwerkten vanuit wat we om ons heen vonden. De stad was vol jonge kunstenaars die van overal waren gekomen om het te proberen als filmmakers, schilders, toneelschrijvers, romanschrijvers, enzovoort.

De meesten eindigden op een gegeven moment met het spelen van muziek in clubs omdat de toegang gemakkelijker was en we allemaal waren opgegroeid met rock- en popmuziek. De sprong in denken was het ontdekken dat muziek net zo'n levensvatbaar medium voor “kunst” was als een van de andere vormen.

HVC: Vanaf het begin waren ‘beelden’ heel belangrijk voor je muziek. Albumhoezen om te beginnen. Gerard Richter (‘Daydream Nation’), Raymond Pettibon (‘Goo’), Richard Prince (‘Sonic Nurse’), Jeff Wall (‘The destroyed Room’) en Mike Kelley (‘Dirty’, mijn favoriete hoes en album) maakten bijvoorbeeld de hoezen. Kies je een afbeelding die je passend vond bij de muziek of maakten de kunstenaars een ‘kunstwerk’ geïnspireerd op je muziek?

LR: We kozen over het algemeen bestaande beelden die we voelden dat een sympathieke resonantie hadden met de muziek of ideeën waar we op dat moment mee bezig waren ...

HVC: Zijn er andere visuele kunstenaars met wie je zou willen samenwerken? Je bent een fan van Donald Judd, maar zijn werk is misschien niet geschikt voor foto's...

LR: Er zijn veel kunstenaars die ik bewonder – in visuele kunst, muziek en andere velden, maar ik heb geen ‘wensenlijst’ van mogelijke samenwerkingspartners. Ze lijken in hun eigen tijd en plaats te komen, en het is niet altijd gemakkelijk om van tevoren te voorspellen wie een geschikte samenwerkingspartner voor een bepaald project zou kunnen zijn. Als band en persoonlijk heb ik het geluk gehad om samen te werken met een heleboel ongelooflijke mensen, veel van mijn ‘helden’ en veel andere geweldige individuen, van Neil Young en Iggy Pop tot Merce Cunningham en Mike Kelley.

HVC: Trouwens, wat is je favoriete Sonic Youth videoclip? (Ik zelf vind Dirty Boots heel leuk, vooral vanwege de sfeer... en de kus aan het einde...)

LR: Ik heb eigenlijk geen favoriet. We waren op een intieme manier betrokken bij de creatie van zoveel van hen. Het zou zijn als het kiezen van je ‘favoriete kind’. Dat gezegd hebbende, ik ben behoorlijk dol op de Teenage Riot clip omdat ik die in feite samenstelde en op dat moment een eigen montagestijl aan het formuleren was. Ik hou ook van de Dirty Boots clip omdat het in wezen een rock-'n-roll fantasieverhaal was (jongen + meisje ontmoeten elkaar en worden verliefd op een rockshow) dat we in onze eigen stijl hebben uitgewerkt.

HVC: Voelde je tijdens die 30 jaar van Sonic Youth de drang om je eigen visuele kunst te creëren? Of was de muziek te absorberend? Ik denk dat je enkele schetsen hebt gemaakt (zie volgende vraag), maar misschien maakte je ook polaroids of probeerde je alle musea in al die steden te bezoeken? In 2007 maakte je een serie foto's als eerbetoon aan twee individuen wiens werk veel voor je heeft betekend: Robert Smithson en Steve Reich.

LR: Hoewel ik uiterlijk gedurende het grootste deel van de SY-periode alleen bekend was om mijn muzikale werk, ben ik nooit gestopt met het maken van visuele kunst, of met schrijven voor dat matter. Vanaf het moment dat ik na mijn studie naar NYC verhuisde, heb ik al deze doelen nagestreefd. Het is gewoon zo dat de muziek de vorm was die bekend was bij het publiek, en zeker het medium dat het meeste van mijn energie kreeg.

Het werk gerelateerd aan Smithson en Reich was een specifieke enkele fotografische werk. Mijn aantekeningen daarvoor zijn aan het einde van dit document bijgevoegd.

HVC: Ik weet dat je als student al gefascineerd was door landschappen en wegen die voorbijglijden vanuit de auto. Je maakte snelle schetsen ervan, die je daarna omzette in etsen. Ook nu, 30 jaar later, toon je ‘Lost Highway Drawings’ in Jan Dhaese Gallery in Gent. Zijn passerende landschappen een eindeloze inspiratiebron wanneer je zoveel onderweg bent?

LR: Hoewel ze heel vergelijkbaar zijn, zie je nooit precies hetzelfde. Je stelt jezelf ook vragen. ‘Hoe teken je een bewegend landschap? Het is alsof je een snelstromende rivier probeert te tekenen. Mijn eerste reacties waren gestileerd, strengen lijnen die de horizon, de kromming van de weg en de vormen van de bomen volgden. Continu over elkaar heen gelegd, vormend een kinetisch beeld. In de loop van de tijd ontwikkelden zich bepaalde iconografische beelden.’

Van Hank Williams’ “Lost Highway” tot Bob Dylan’s “Highway 61 Revisited”, van Kerouac’s “On The Road” tot Herman Hesse’s “Siddhartha”, van “Easy Rider” tot “Weekend” zijn er liedjes en films, beelden en verhalen gebaseerd op de aantrekkingskracht en transformatieve kwaliteiten van De Weg als metafoor (maar ook als feit, staande aan de kant met duim omhoog, bijvoorbeeld). Het is een natuurlijk medium en formaat om elke zoektocht die je in gedachten hebt te symboliseren.

Om van hier naar daar te komen, van New York naar L.A., om weg te komen van iets, om iets te vinden, om naar vrijheid te bewegen, weg van verantwoordelijkheid - zoveel dromen, gedachten en emoties kunnen worden samengebald in het beeld van de open weg. Voor een reizende muzikant worden de kwaliteiten van de snelweg verder versterkt (zowel positief als negatief), gewoon door zoveel tijd te besteden aan het staren naar het onderweg van de ene gig naar de volgende.

Een iconisch beeld van moderniteit, en van de auto, zeker, maar daterend van de vroegste modderpaden was het idee van ‘weg’ over beweging en vrijheid. Het woord ‘pad’ impliceert een zoektocht ...

HVC: Deze wegtekeningen lijken pure concentratie. Maar het is geen hit or miss. Je voelt een soort bewegende energie in de tekeningen.

LR: Ze zijn hit or miss omdat ze improvisatorische creaties zijn, zoals een vrij muziekconcert. Ik probeer snel en gestileerd te werken, iets te vangen dat in beweging is (“altijd anders/altijd hetzelfde”). Vanaf het moment dat de eerste markering is gemaakt, is het beeld voor mijn ogen veranderd en blijft het veranderen. Dat is de uitdaging, om te proberen het gevoel van een plek vast te leggen, gedeeltelijk door observatie en gedeeltelijk door intuïtie en geheugen. Het is spannend en een soort spel.

Zodra er een nieuw wit vel op het dashboard ligt, weet ik dat ik vanaf het moment dat ik de eerste lijn zet, een zeer gefocuste energie moet genereren. Als ik te langzaam ben, verlies ik bijna onmiddellijk mijn enthousiasme. Dus in de hitte van de poging gaat de visie soms verloren in pure frenetic energy, maar als ik in een flow zit, kan ik een aantal goede werken achter elkaar maken, wanneer ik de ‘Zen Mind’ heb om gewoon de grafiek te volgen en het beeld voor me door mijn hand op de pagina over te brengen. Op een heel basaal niveau is het een geweldige manier om de tijd door te brengen tijdens lange ritten, het maakt de reizen eindeloos interessant.

Ik heb altijd al van landschapschilders gehouden. Deze activiteit (het tekenen van de bewegende weg/landschap) is een subset van die activiteit...

HVC: Gebeurt de inkleuring daarna?

LR: Meestal gebeurt alles op dat moment in de vijf tot vijftien minuten dat ik elk stuk maak. Ik probeer een klein studiootje op te zetten daar op de voorstoel, en leg aquarellen en verschillende tools klaar. Soms wordt het een beetje rommelig voor een huurauto! Af en toe wordt een tekening later verder uitgewerkt—soms wordt er later kleur toegevoegd.

HVC: Roadclips en video's zijn erg aantrekkelijk voor filmmakers en videoklipmakers. Zijn ze ook een inspiratie? In de documentaire op Canvas zag ik dat je een grote fan bent van Jean-Luc Godard.

LR: Ja, grote bewonderaar!

HVC: Landschappen zijn vaak rustgevend.

HVC: Wat wil je ermee bereiken? Niet om je gedachten te stoppen, maar juist het tegenovergestelde, lijkt me.

LR: Ja, ik denk dat ik het landschap en de poging om het te interpreteren gebruik als een springplank naar vragen over plaats en tijd, en hoe ik mezelf in de mix positioneer.

HVC: Wat wil je toevoegen aan de al bestaande overvloed aan beeldende kunst? Wat heb jij dat anderen niet hebben?

LR: Geen idee, het interesseert me niet.

HVC: Je vrouw Leah Singer is fotograaf en multimedia-artiest. Hier in België zagen we haar in de tentoonstelling Contour 2011 in Mechelen en in Watou 2013. In Contour zagen we ook ‘Contre-jour’, een performance met live muziek, geluid en videoprojecties. Je was ‘in dialoog’ met de droommachine van Gysin en Sommerville.

LR: Ja, wat een mooie versie van ons stuk hadden we in Mechelen! Die oude kerk en de silhouetten van de hangende kroonluchters voor het scherm, en de droommachines die draaiden, het was een zeer magische avond. We hebben een paar versies van ons stuk gemaakt geïnspireerd door Brion Gysin, zijn droommachines en zijn taal. Zijn stem hangt in het bijzonder nog steeds aan de soundtrack van onze performances vandaag de dag. We hielden van veel werken die in die show te zien waren...

HVC: ‘Drift’ is een van je meest beroemde performances en het heeft ook iets van een ‘ik hou van je, ik haat je’ aard. Is er een groot verschil tussen een performance voor een ‘arty farty’ publiek en een concert van een uur voor duizenden mensen?

LR: Elke versie van onze performance is specifiek afgestemd op de locatie waar het plaatsvindt, dus het is altijd een beetje anders. We proberen het verrassend voor onszelf te houden, zodat het fris blijft. Een kunst-type performance evenement is altijd een beetje anders dan een rockconcert voor een groot publiek, meestal iets intiemer en met een meer accepterend publiek.

Soms kan een rockpubliek een vrij smalle focus hebben, maar zodra je je in een kunstmuseum opzet, is het mogelijk om de verwachtingen iets meer te tarten...

HVC: In 2012 zagen we je al bij de ‘No Permanent Landscape Exhibition’ in het Boothuis Brauhaus in Turnhout. De curator daar was Jan Van Woensel. Hoe hebben jullie elkaar ontmoet? Ik weet dat hij veel tijd in New York doorbrengt en jou aan Jan Dhaese heeft voorgesteld. Hij maakte ook de tentoonstelling ‘Constellation-Drawings’ die in 2012 te zien was in de Jan Dhaese Gallery.

HVC: ‘Geschilderde afbeeldingen van privévliegtuigen, balletdansers en buitenlandse landschappen, een geblinddoekte performer, palmbomen, een gewapende soldaat, handgeschreven gedichten, een paar handen, verkeersborden, de Beatles en een portret van componist Glen Gould, elk gebaseerd op krantenfoto's — deze verzameling van (op het eerste gezicht) willekeurig geselecteerde beelden toont hoe Ranaldo de wereld om hem heen waarneemt’, staat in de tentoonstellingstekst.

LR: We ontmoetten Jan VW in NYC en werkten samen met hem aan een aantal tentoonstellingen. Zowel Leah als ik voelden dat hij echt ons werk en waar we vandaan kwamen begreep; hij heeft een goed oog voor het ophangen van een tentoonstelling en een scherp inzicht in de plaats van moderne kunst in de moderne wereld.

HVC: Denk je dat een kunstenaar zich moet inzetten? Iets in het gezicht van mensen gooien? Hoe wil je dat mensen zich voelen als ze naar je visuele werk kijken? Is het anders dan muziek, die meer de bedoeling heeft om de luisteraar in een bepaalde ‘zone’ te brengen?

LR: Ik weet het niet. Ik werk vanuit een innerlijke motivatie zonder zo veel na te denken over het manipuleren van de gedachten van de kijker. Uiteindelijk probeer ik ze in een wereld te trekken die ik heb gecreëerd, of het nu door muziek, woorden of beelden is, maar het is niet altijd gericht op een specifiek, gefocust doel – ik hou van het idee om aspecten van het werk open te laten voor interpretatie.

HVC: Ken je veel werk van Belgische kunstenaars? Ik weet dat je met Philippe Vandenberg hebt samengewerkt, die helaas is overleden.

LR: Ja, dat was verdrietig. Ik ken enkele Belgische kunstenaars, waarschijnlijk niet zo veel. Momenteel schrijf ik een tekst ter begeleiding van een publicatie van de Belgische filmmaker Jean D.L., die wat muziek van mij in zijn film ‘Psychic Diary’ heeft gebruikt.

HVC: Geeft tekenen je gemoedsrust; is het een soort tegenwicht voor de (luide) gitaar? Muziek maken is ook iets wat je in een groep doet. Maar je kunt ook thuis op de akoestische gitaar oefenen. Wat is voor jou het belangrijkste verschil tussen een gitaar en een potlood?

LR: Het zijn verschillende media, maar beide zijn voertuigen voor creatieve expressie. Soms speelt het een op het ander in, soms informeren ze elkaar. De een is meer privé en stil, de ander luider en publicer (optredend). Ik denk dat voor mij beide nuttig zijn om mijn creatieve driften te ontsluiten. Soms neig ik meer naar de ene kant en geef ik daar de grotere focus aan, en als de dingen dan vertragen, kan ik lateraal naar een ander medium bewegen...

HVC: Waarom heeft het zo lang geduurd voordat je je visuele werk aan de wereld liet zien? Had je niet de tijd om het concept uit te werken of voelde je je onzeker?

LR: Ik heb door de jaren heen consistent werk getoond, het is alleen in kleine tentoonstellingen geweest die door weinigen zijn gezien!

HVC: Creëren doet pijn, is het tegenovergestelde van comfort, zegt Patrick Riguelle, een Belgische muzikant. Wat denk jij?

LR: Breton zei: “Schoonheid moet convulsief zijn of helemaal niet.” Misschien is er op de lange termijn een wringend en moeilijk aspect aan creatie, maar even gemakkelijk is er spirituele verheffing en vreugde. Over het algemeen denk ik dat de meeste kunstenaars van hun werk houden en het feit dat ze deze dingen mogen doen, koesteren de blije daad van creatie. Het is hetzelfde zalige gevoel dat een kind krijgt wanneer het bijvoorbeeld met een krijtje op papier gaat, een gevoel dat alles mogelijk zou kunnen zijn. Veel mensen verliezen dit gevoel naarmate ze volwassen worden, maar een kunstenaar verleent zichzelf het recht om het te behouden.

HVC: Denken is de vijand van creativiteit, zei Ray Bradbury. Ben je het daarmee eens?

LR: Nee. Hoewel ik Bradbury geweldig vind...

HVC: Wiens carrière als visueel kunstenaar bewonder je? (Trouwens, ik denk dat jouw muzikale carrière ieders natte droom is.)

LR: Robert Smithson is een bijzondere referentie: denker en visualizer. Matisse is ook een constante inspiratie. Maar er zijn er zoveel...

HVC: Kun je één ding noemen dat de kwaliteit van je werk als visueel kunstenaar zou verbeteren?

LR: Veel verkopen!

HVC: Kun je iets zeggen over je nieuwe band ‘Lee Ranaldo and The Dust’?

LR: Ik zou veel dingen kunnen zeggen. De band is mijn huidige voertuig voor muzikale verkenning. Ik hou zo veel van deze band, ze zijn veelzijdig—kunnen zowel elektrisch als akoestisch spelen—en ondersteunen echt het soort songwriting dat ik nu doe. Natuurlijk heb ik al lange tijd samengewerkt met Steve Shelley, en dat is zeer vruchtbaar geweest. Hetzelfde geldt voor Alan Licht, in meer improvisatorische vormen tot deze band begon. De toevoeging van de nieuwe bassist Tim Luntzel heeft onze sound versterkt. Ons recente album—Last Night On Earth—was zo'n plezier om te maken, en de band steunde me bij elke stap van de weg. Onze recente live shows zijn zo belonend geweest...

HVC: Wat is het beste advies dat je ooit hebt gekregen en wat is de belangrijkste les die je leven als kunstenaar je heeft geleerd?

LR: Het beste advies kwam van mijn schilderinstructeur Angelo Ippolito op de universiteit: ‘Als je een kunstenaar wilt zijn, moet je elke dag in de studio verschijnen om te werken. Er gaat niets gebeuren als je niet komt.’ Het is echt zo simpel als dat, de toewijding aan en vreugde in het werken is een groot deel ervan. Het klinkt simpel, maar struikelt menig aspirant-kunstenaar. Als ik hier Sonic Youth noem, was één ding dat ons in staat stelde om onze band zo veel jaren vol te houden de simpele focus op het maken van muziek, en het vermijden van de afleidingen die je op elke hoek aanvallen.

HVC: Wat is jouw meest schuldige plezier?

LR: Mijn genoegens hebben meestal niet veel schuldgevoelens eraan verbonden. Ik hou van fietsen en tennis.

HVC: Ik zou willen voorstellen dat iedereen nu ‘Superstar’ speelt. Wanneer ik de versie van de Carpenters hoor, lijkt het alsof de wereld tot stilstand komt.

Lee Ranaldo exposeert in: Jan Dhaese galerie Ajuinlei, 9000 Gent, België.

www.jandhaese.be www.leeranaldo.com Hilde Van Canneyt

Torn Photograph: Four Organs (voor Steve Reich en Robert Smithson)

Lee Ranaldo inkjetprint, editie van 10, 21.5” vierkant, in vieren gescheurd, glassine envelop. Inkjetprint, editie van 10 2007 Een foto werk ter ere van twee individuen wiens werken veel voor mij hebben betekend. In 1970 droeg Robert Smithson een stuk bij aan een gebonden editie van kunstenaarsmultiples georganiseerd door de galeriehouder Marion Goodman onder het label "Multiples, Inc". De doos bevatte kunstenaars zoals Dan Graham, Mel Bochner, Richard Serra en vele anderen uit die tijd. Smithson's stuk, Torn Photograph, was een afbeelding van bouwpuin genomen uit een van zijn diawerken, die hij in 4 kwarten had gescheurd en verpakt in een glassine envelop. Steve Reich, de componist, is een vriend en is de afgelopen tien jaar mijn buurman in Lower Manhattan geweest. Er is een vroeg stuk van hem genaamd "Four Organs" dat een diepgaande invloed op me heeft gehad sinds ik het vele jaren geleden voor het eerst hoorde. De vier organen van zijn stuk verzamelen nu stof in onze gezamenlijke kelder. Ik heb Reich’s opgestapelde organen gefotografeerd en heb een gescheurde print gemaakt van vergelijkbare afmetingen als die van Smithson, opgedragen aan beide mannen.